English version

A Japanese artist born in 1968 in Yokohama, Japan, Akira Kugimachi currently lives and works in Paris, France. In his work, he studies time and light using Japanese paper and natural pigments.

Akira Kugimachi portrait – Photo : Mana Kikuta

First memory of creation

“My first memory linked to creation is the sandbox from my childhood. When I lived in Belgium, there was a large sandbox in our garden. I used to play there all day, building all kinds of shapes until sunset.” The natural pigments Akira Kugimachi uses in his work seem to be a recollection of this memory. “After all, I just like the sand’s texture.”

Akira Kugimachi studio – Photo : Shoko Hayashi

First failure: finding his way

During his first year of high school, Akira Kugimachi noticed a sculpture’s drawing on the recruiting poster for the fine arts preparatory school. He then thought that he could draw much better than that. This episode brings him back to a childhood memory: when he used to live in Europe, his mother often took him to the church and to the museum, where he was introduced to European art, plaster and bronze statues. These outings weren’t always fun for a young boy, but that memory with his mother remains in his head. Always managing to achieve the expected result when drawing, and with his relatives’ support, he decides to study fine arts. He aspires to become a graphic designer – without much conviction.

Akira Kugimachi has already won several artistic competitions in Japan. However, he surprisingly did not succeed the fine arts school admissions. For the first time in his life, the young man feels bitter and dissatisfied. This failure gives him the opportunity to seriously think about his true aspiration: he finds out his real desire is to draw. Akira Kugimachi has always liked to superimpose thin layers of paint when painting watercolors; his personal technique at that time. As he didn’t like the smell of oil painting, he chose the Japanese Painting specialty for his admission to the Tama fine arts school.

His meeting with nihonga artist Hiroshi Senju also guided this choice. The latter asked Akira Kugimachi which artist he loved most. He replied « Gyoshu Hayami ». « Well, the Japanese Painting specialty is a good choice then. »

“By seeking my way in painting, I naturally went to France. »

At that time, Japanese fine arts school teaching programs were only focused on the technique, not on the creative process. Interested in the relationship between art and philosophy, Akira Kugimachi decides to leave Japan for France; a country he chooses for his attachment to philosophy, to thought and for his heritage. « I realized this much later: I was fascinated by the Leonard de Vinci’s « Virgin of the Rocks » at the Louvre museum. When I first saw it, I was 20, it made me cry. Looking at the expression on her hands, I was impressed that it was made by a human being. I think this is one of the big reasons why I came to France. »

The student first accesses the fine arts school of Marseille. There, like in Japan, education does not focus on creative processes. He then decides to enter Paris 8 University, to move towards literary studies. By studying philosophy and art, he explores the elements which define Japanese identity. He reads many books, particularly the ones written by Roland Barthes and Daisetz Suzuki, and works on Japanese thought. He very carefully reads three books by Daisetz Suzuki: « Zen and Japanese culture », « Japanese Spirituality » and « Oriental Perception ». He also shows interests for the questions of temporality and the process of time. This theoretical contribution feeds his artistic work: he never let go of the pigment and the charcoal.

Akira Kugimachi studio – Photo : Shoko Hayashi

Akira’s essential themes and materials

The main theme of Akira Kugimachi’s work is the passing of time. That’s why he uses natural pigments. Natural pigments are made up of fine particles. Before the hairspray takes effect, it is possible to see these fine particles moving on the paper.

Akira Kugimachi has also chosen natural pigments for the history they carry. These pigments are made from minerals slowly shaped by nature. When he paints, the artist feels the history of the earth through the natural pigment. Oil painting, on the other hand, cannot transmit this temporality. The use of natural pigment is therefore very important for him.

Before the end of the 19th century, the concept of traditional Japanese painting did not exist in Japan. At the beginning of the 20th century, Ernest Fenollosa and Tenshin Okakura created this notion to distinguish it from Western painting. Japanese painting today is defined by a work made on Japanese paper using Japanese pigments and glue. Nowadays, most traditional Japanese painters use shinwaenogu, a new Japanese pigment made from glass. Akira Kugimachi doesn’t like nor use this new pigment either, that’s why he refuses the label of traditional Japanese artist.

The influence of the French climate on his creation.

Because of the drier air in France, the pigment gets damaged more easily. Akira Kugimachi therefore pushed his work to nikawa: a Japanese glue made from animal and fish skins. He has done a lot of research to find the right balance between water, glue and pigment, and has now became a specialist in nikawa. The humidity rate changing every day, the rendering is very versatile, the slightest difference in proportions gives very different results. Akira Kugimachi makes his mixes himself to guarantee their quality – even his assistants cannot touch them. In Japan, the climatic conditions did not influence his mixes that much, he used to pay less attention to them. Thanks to this different environment, he has become much more attentive to the materials he uses.

Akira Kugimachi studio – Photo : Shoko Hayashi

The difference between the photographic reproductions of Akira Kugimachi’s works and the impression they leave when admired face to face is enormous. It is the texture of his paintings that creates this surprise. Their surface is not smooth at all, as the photographs suggest. Textures emerge. For the artist, a painting is never done on a flat surface. The Lascaux cave’s paintings were created on an uneven surface; they adapted to the roughness of the rock. Akira Kugimachi always tries to reproduce this kind of texture. The Lascaux cave is one of his major inspiration.

The artist always begins by creasing the Japanese paper, in order to leave an imprint of the paper volume and roughness. This step is very important to him, even if he admits that he quickly gets tired of this laborious stage. When he deeply thinks of the essential reason for this stage, he gets back to the first memories of creation from his childhood: “I always remember the sand’s texture in the sandbox. I think it is always part of my creation’s basis. « 

Akira Kugimachi’s creations are also based on his more recent personal experiences. It was the vivid, raw and virginal aspect of an uncrowded snowy landscape that attracted the artist and inspired him to make the « Air » series. « And more than the apparent patterns of snow and rocky surfaces, it’s the moving air that is the theme, as a kind of visual medium. This is why I named this series “Air””.

Akira Kugimachi, « Air », pigments minéraux sur papier Kumohada marouflé sur panneau de bois, 2019
Akira Kugimachi, « Air », pigments minéraux sur papier Kumohada marouflé sur panneau de bois, 2019

After a stay at Art Basel, it was by recalling a childhood memory of a trip to Switzerland that Akira Kugimachi suddenly wanted to return to see Mont Blanc and was inspired for his series « Snowscape ». In this body of works, he seeks to express the work of time on matter, the telluric forces, the erosion of the wind which shape this landscape in a relentless and endless work; far exceeding the lifespan of a man or a civilization. Just like the meaning of what he wanted to represent; his work matured slowly. From his first drawing at the age of 6 on the shores of a Swiss lake, to his first brushstrokes, through collecting information, camera in hand at an altitude of 600 meters, the impact of this landscape on his spirit gradually invaded him. And he waited patiently to reach the technical level that will allow him to translate this emotion. 

Akira Kugimachi, « Erewhon », pigments minéraux sur papier Kumohada marouflé sur panneau, 2018

Also, the common thread of Akira Kugimachi’s reflection on his creation are systematic questions about their philosophical significance: “Does this work transcend the temporality of human life? Does it bring us back to immutable and timeless memories? (…) The words of a French anthropologist came to my mind, « The world began without mankind and it will end without mankind ». I think art is precisely a kind of device that invites one to free oneself from the temporal reality of human life. How grateful we would be to be able to bring back memories of the distant past that we have forgotten even though they are written in our DNA, and simultaneously experience a futuristic vision that would seem to us to have been our very existence in antediluvian times.”

When Akira Kugimachi is asked what the meaning of art is to him, he replies: “I think creation is a gift. I give something back for the miracle of being born. It is also a mission. Being part of the world, I use the materials of this earth steeped in history, to create something that makes sense. For me art is similar to a trace of life, which may disappear someday. It is both fleeting and beautiful. Creation is a conversation between humans and the earth. (…) I create to meet needs that go beyond humans. We will die one day; human life is limited. Art is a way of confronting death. It allows us to prepare for the end of our existence and to accept the fear of death. (…). Art is a vector that allows us to express an idea of ​​absolute and wholeness beyond reality. I want to create works that we would appreciate to contemplate until our last breath, like the hands of the “Virgin of the Rocks” by Leonardo da Vinci. As for me, I may be looking for the sand’s texture from my childhood.”

Interview by Shoko Hayashi – Paris, 2020

Discover more of Akira Kugimachi’s work: www.akirakugimachi.com

Next show: « Akira Kugimachi : Elpis » from September 15 to October 31 2020, at Pierre-Yves Caër Gallery, Paris

Akira Kugimachi studio – Photo : Shoko Hayashi


Version française

Artiste japonais, né en 1968 à Yokohama au Japon, Akira Kugimachi vit et travaille actuellement à Paris en France. Dans ses tableaux, il pose un regard sur le temps et la lumière en utilisant du papier japonais et des pigments naturels.

Premier souvenir de création

« Mon premier souvenir lié à la création est le bac à sable de mon enfance. Quand j’habitais en Belgique, il y avait un grand bac à sable dans notre jardin. J’y jouais toute la journée, j’y construisais toutes sortes de formes jusqu’au couché du soleil. » Les pigments naturels qu’utilise Akira Kugimachi dans son travail semblent être une réminiscence de ce souvenir. « Après tout, j’aime simplement la texture du sable. »

Premier échec : à la recherche de sa voie

Durant sa première année de lycée, Akira Kugimachi remarque le dessin d’une sculpture sur l’affiche de recrutement de l’école préparatoire des beaux-arts. Il se dit alors pouvoir bien mieux dessiner. Cet épisode lui ravive un souvenir d’enfance : lorsqu’il habitait en Europe, sa mère l’emmenait souvent à l’église et au musée, où il était exposé à l’art européen, aux statues en plâtre et en bronze. Ces sorties n’étaient pas toujours amusantes pour un jeune garçon, mais ce souvenir avec sa mère reste gravé dans sa tête. Parvenant toujours au résultat imaginé quand il dessine, il décide d’entrer aux beaux-arts avec les encouragements de son entourage. Il aspire, sans grande conviction, à devenir graphiste.

Akira Kugimachi studio – Photo : Shoko Hayashi

Akira Kugimachi a déjà remporté plusieurs concours artistiques au Japon. Toutefois, à la surprise de son entourage, il n’en réussit aucun du premier coup pour être admis aux beaux-arts. Pour la première fois dans sa vie, le jeune homme se sent amer et insatisfait. Cet échec lui offre l’opportunité de se demander ce qu’il veut vraiment faire : il se retrouve face à son désir de dessiner. Akira Kugimachi a toujours aimé la façon de superposer de fines couches de peinture quand il réalise des aquarelles ; sa technique personnelle à cette époque. N’aimant pas l’odeur de la peinture à l’huile, il choisit, pour son entrée aux beaux-arts de Tama, la spécialité en peinture japonaise.

Sa rencontre avec l’artiste nihonga Hiroshi Senju a également orienté ce choix. Ce dernier a demandé à Akira Kugimachi quel artiste il aimait le plus. Il a répondu « Gyoshu Hayami ». « Et bien, c’est un bon choix que la spéciali- té de la peinture japonaise ».

« En cherchant ma voie dans la peinture, je me suis naturellement dirigé vers la France. »

A cette époque, les beaux-arts japonais enseignent uniquement la technique, pas le processus créatif. Akira Kugimachi s’intéresse donc de son propre côté à la relation entre l’art et la philosophie, ce qui le pousse à quitter le Japon pour aller en France ; pays qu’il choisit pour son attachement à la philosophie et à la pensée, et pour son patrimoine. « Je n’ai réalisé cela qu’après coup : j’ai été attiré par « La Vierge aux rochers » de Leonard de Vinci au musée du Louvre. Quand je l’ai vue pour la première fois à l’âge de 20 ans, elle m’a fait pleurer. En regardant l’expression de ses mains, j’ai été impressionné qu’elle soit la réalisation d’un homme. Je pense que c’est l’une des grandes raisons pour laquelle je suis venu en France. »

L’étudiant accède d’abord aux beaux-arts de Marseille. Là, comme au Japon, l’enseignement ne touche pas aux processus créatifs. Il décide d’entrer à l’université Paris 8, pour s’orienter vers des études littéraires. En étudiant la pensée et l’art, il se penche sur ce qui définit l’identité japonaise. Il lit de nombreux livres, notamment ceux de Roland Barthes et de Daisetz Suzuki, des ouvrages sur la pensée japonaise.

Il lit très attentivement trois livres de Daisetz Suzuki : « Zen and Japanese culture », « Japanese Spirituality » et « Oriental Perception ». Il se penche également sur les questions de la temporalité et sur le processus du temps. Cet apport théorique alimente son travail artistique : il n’a jamais lâché le pigment et le charbon.

Akira Kugimachi, « LSW (Erewhon) », 2019, 100 x 65 cm

Les éléments essentiels à Akira : thème et matériaux

Le thème principal abordé par Akira Kugimachi est le cours du temps. C’est la raison pour laquelle il utilise des pigments naturels. Les pigments naturels sont constitués de fines particules. Avant que le fixatif fasse sont effet, il est possible de voir ces fines particules se déplacer sur le papier.
Akira Kugimachi a également porté son choix sur les pigments naturels pour l’histoire qu’ils portent en eux. Ces pigments sont faits à partir de minéraux lentement façonnés par la nature. En peignant, l’artiste ressent l’histoire de la terre par le pigment naturel. La peinture à l’huile quant à elle, ne peut transmettre cette temporalité. L’utilisation du pigment naturel a donc une très grande importance pour lui.

Avant la fin du 19ème siècle, il n’existe pas de concept de peinture traditionnelle japonaise au Japon. Au début du 20ème siècle, Ernest Fenollosa et Tenshin Okakura créent cette notion pour la distinguer de la peinture occidentale. La peinture japonaise d’aujourd’hui se définit par une oeuvre réalisée sur papier japonais à partir de pigments japonais et de colle. De nos jours, la plupart des peintres traditionnels japonais utilisent le « Shiniwaenogu », un nouveau pigment japonais fabriqué à partir de verre. Ce nouveau matériau non plus ne correspond pas à Akira Kugimachi, et c’est pourquoi il rechigne à être catégorisé en tant qu’artiste traditionnel japonais.

Akira Kugimachi studio – Photo : Shoko Hayashi
Akira Kugimachi studio – Photo : Shoko Hayashi

L’influence du climat français sur sa création

À cause de l’air plus sec de la France, le pigment s’abîme plus facilement. Akira Kugimachi a donc poussé son travail sur le nikawa: une colle japonaise composée à base de peaux d’animaux et de poissons. Il a réalisé de nombreuses recherches afin de trouver le bon équilibre entre l’eau, la colle et le pigment, et il est devenu aujourd’hui un spécialiste du nikawa. Le taux d’humidité évoluant chaque jour, le rendu est très versatile, le moindre écart dans les proportions donne des résultats très différents. Akira Kugimachi s’occupe lui même de ses mélanges pour en garantir la qualité – même ses assistants ne peuvent y toucher. Au Japon, les conditions climatiques n’influençaient pas autant ses mélanges, il y prêtait moins attention. Grâce à cet environnement différent, Akira Kugimachi est devenu beaucoup plus attentif aux matériaux qu’il utilise.

La différence entre les reproductions photographiques des œuvres d’Akira Kugimachi et l’impression qu’elles laissent quand elles sont admirées en vis-à-vis est énorme. C’est la texture de ses tableaux qui crée cette surprise. Leur surface n’est pas du tout lisse comme le laissent imaginer les photographies. Les textures émergent. Pour l’artiste, une peinture n’est pas réalisée sur une surface plate. Les peintures de la grotte de Lascaux ont étés élaborées sur une surface inégale, elles se sont adaptées aux aspérités de la roche. Akira Kugimachi cherche toujours à reproduire ce genre de texture. La grotte de Lascaux est l’une de ses grandes inspirations. L’artiste commence toujours par froisser le papier japonais, afin de laisser une empreinte du volume et des aspérités sur le papier. C’est une étape très importante pour lui, même si, de son propre aveux, il se fatigue vite de cette étape laborieuse. Quand il se demande plus profondément la raison essentielle de cette étape, il revient aux premiers souvenirs de création de son enfance : « Je garde toujours en mémoire la texture du sable du bac à sable. Je pense qu’elle est toujours présente dans la base de ma création. »

Akira Kugimachi studio – Photo : Shoko Hayashi
Akira Kugimachi studio – Photo : Shoko Hayashi

Les créations d’Akira Kugimachi sont également imprégnées de ses expériences personnelles. C’est l’aspect d’une nature vive, brute et virginale d’un paysage enneigé peu fréquenté qui a attiré l’artiste et l’a inspiré à réaliser cette série. « Et davantage que les motifs apparents de la neige et des surfaces rocheuses, c’est l’air en mouvement qui est le thème, comme une sorte de medium visuel. C’est dans ce sens que j’ai nommé la série « Air » .

Akira Kugimachi, « Air », pigments minéraux sur papier Kumohada marouflé sur panneau de bois, 2019

Après un séjour à Art Basel, c’est en se remémorant un souvenir d’enfance d’un voyage en Suisse qu’Akira Kugimachi a soudain eu l’envie de retourner voir le Mont Blanc et a été inspiré pour sa série « Snowscape ». Dans ces œuvres, il cherche à exprimer le travail du temps sur la matière, les forces telluriques, l’érosion du vent qui façonnent ce paysage dans un travail sans relâche et sans fin ; dépassant de loin la durée de vie d’un homme ou d’une civilisation. À la façon de ce qu’il a voulu représenter, son œuvre a maturé lentement. De son premier dessin à 6 ans au bord d’un lac Suisse, à ses premiers coups de pinceau, en passant par des collectes d’informations, appareil photo en main à 600 mètres d’altitude, l’impact de ce paysage sur son esprit l’a progressivement envahi. Et il a attendu patiemment d’atteindre le niveau technique qui lui permettrait de retransmettre cette émotion.

Akira Kugimachi, « Snowscape », pigments minéraux sur papier Kumohada marouflé sur panneau de bois, 2019

Aussi, le fil conducteur de la réflexion d’Akira Kugimachi face à sa création sont des questionnements systématiques sur leur portée philosophique : « Est-ce que cette œuvre transcende la temporalité de la vie humaine ? Nous ramène-t-elle à des souvenirs immuables et intemporels ? (…) Les mots d’un anthropologue français me sont revenus en mémoire. « Le monde a commencé sans l’homme et il s’achèvera sans lui ». Je pense que l’art est justement une sorte de dispositif qui invite à se libérer de la réalité temporelle d’une vie humaine. Comme on serait reconnaissant de pouvoir faire renaitre des souvenirs d’un passé lointain que nous avons oubliés bien qu’ils soient inscrits dans notre ADN, et simultanément expérimenter une vision futuriste qui nous semblerait avoir été notre existence même dans des temps antédiluviens. »

Lorsque l’on demande à Akira Kugimachi ce que représente l’art pour lui, il répond : « Je pense que la création est une offrande. Je donne quelque chose en retour pour le miracle d’être né. C’est aussi une mission. Faisant partie du monde, j’utilise les matériaux de cette terre chargée d’histoire, pour créer quelque chose qui a du sens. Pour moi l’art est comme une trace de la vie, qui disparaitra peut-être un jour. Elle est à la fois éphémère et belle. La création est une conversation entre l’humain et la terre. (…) Je crée pour répondre à des besoins qui dépassent l’humain. Nous mourrons un jour, la vie humaine est limitée. L’art est un moyen de se confronter à la mort. Il nous permet de nous préparer à la fin de notre existence et d’accepter la peur de la mort. (…). L’art est un vecteur qui permet d’exprimer au-delà du réel, une idée d’absolu et d’entièreté. Je souhaite créer des œuvres que l’on apprécierait de contempler jusqu’à notre dernier souffle, comme les mains de « La Vierge au rocher » de Léonard de Vinci. Quant à moi, je chercherai peut-être la texture de sable de mon enfance. »

Propos recueillis par Shoko Hayashi – Paris, 2020

Découvrez le travail d’Akira Kugimachi : www.akirakugimachi.com

Exposition à venir : « Akira Kugimachi : Elpis » du 15 septembre au 31 octobre 2020 à la Galerie Pierre-Yves Caër, Paris