Having been involved in the art world for many years, Dr. Caroline Turner is undoubtedly one of the world’s leading experts in Asian art. Author of Art and Social Change: Contemporary Art in Asia, she shared her knowledge of the contemporary Asian art scene with ACA project. 

Her work uncovers the close relationship between Asia’s multicultural background and the formulation of its contemporary art. Asia’s art history was shaped by its historical heritage that includes countless cultural exchanges between numerous nations and a great variety of political and social contexts. According to Dr. Caroline Turner, art and society are intertwined.

Portrait of Caroline Turner – Courtesy Caroline Turner

Could you introduce yourself and tell us how you are related to the contemporary art scene from Asia?

I am currently an Honorary Fellow attached to the Australian National University. I have been involved with contemporary Asian art as a curator, museum professional and academic  since the 1980s. I first went to Japan in 1982 and negotiated exchange exhibitions of contemporary Australian and Japanese art held in 1987 and 1989. I also went to China in 1984 as a member of an Australian Government Cultural Delegation and began working with the Shanghai Museum and the Shanghai Art Museum. This was just after the Cultural Revolution and people still wore Mao suits – a time of great experimentation in contemporary art in China. The Shanghai Art Museum was the first in China to show this art. These paths led to my institution, the Queensland Art Gallery, beginning a series of exhibitions, the Asia-Pacific Triennial of Contemporary Art (APT), now nearing its 30th birthday, and forming  a major collection of contemporary art from Asia and the Pacific. I was co-founder of the Triennial and Project Director for ten years until 2000. We worked collaboratively with artists and art professionals in Asia throughout this project. The APT changed the way many Australians, including myself, see our region and our world.

According to you, what are the characteristics and specificities of this scene?  

A strong connection to traditional and historical art practices, religions and cosmologies drawn from the past over centuries of evolution but an equally strong commitment to radical experimentation in contemporary art practice.

A strong belief that art has a connection to society and a commitment by many artists in Asia to projects which address issues of deep concern to society.

A strong interest in envisioning the future especially in countries with very young populations and complex and sometimes tragic histories.

A significant focus on artist initiatives and collaborative educational projects which have underpinned the development of art throughout the region.

Artists can, through their work, reflect important challenges confronting communities and many artists in this region in recent times have dedicated their work to issues of injustice, environmental destruction, cultural loss, poverty, war and violence. Such art is addressed not only to local communities but also to humanity at large. I have explored this in my book Art and Social Change and a further book with Jen Webb Art and Human Rights: Contemporary Asian Contexts.

As the Philippines artist, the late Santiago Bose, said:‘The artist cannot but be affected by his society. It is hard to ignore the pressing needs of the nation while making art that serves the nation’s elite… We struggled to change society, which is difficult and dangerous, and we also sought to preserve communal aspects of life…The artist takes a stand through the practice of creating art.’

Dadang Christanto, For those who have been killed, First Asia-Pacific Triennial 1993 – Image courtesy Queensland Art Gallery/Gallery of Modern Art

How did you notice this scene has evolved these past 5 years? 

The contemporary art scene in Asia has evolved a great deal in the last five years but this is a continuing evolution since the 1980s. There is now much better infrastructure in poorer countries including national and private museums. Many of the new contemporary biennales are in Asia and artist initiatives remain important. Artists address many of the significant problems of today such as climate change and employ new technology in exciting ways in art and in communication with diverse audiences. 

Asian artists have made many contributions to the new global contemporary art scene that emerged in the 1980s. In 1997 I attended  a conference in Bellagio, Italy where art curators from Asia, Africa and Latin America noted the lack of representation of artists from those regions in an art world then still dominated by Europe and North America – the centre and periphery model of art. But today contemporary art is truly global, addressing the past and future of humanity and of our shared planet. 

Would you say there is one Asian art scene or several Asian art scenes?

Each country in Asia has its own art history intermeshing with the contemporary context. Nevertheless, the region also has a shared history of exchange of art and ideas over thousands of years. One important characteristic of the Asian region has been the emergence since the late 1980s of a regional focus for contemporary art. There are parallel histories in a region where many countries were subjected to European colonialism and faced challenges in creating new nations in the post-colonial era. These have included wars and repressive regimes in some nations such as the Marcos regime in the Philippines and Suharto’s New Order in Indonesia which censored art and artists. 

Artists today are also global travellers who live and work beyond their original countries. There are exciting artistic networks and collaborations that have formed all over Asia. There has also been a generosity of sharing and working together. For example, in the 1970s Japanese artists originated exchanges with artists mainly from areas occupied by Japanese troops in the Second World War as a means of repairing relationships  and gave many opportunities to artists from poorer and developing countries in Asia such as Cambodian artists after the Khmer Rouge genocide.

Chen Zhen, Invocation of Washing Fire, Third APT 1999 – Image courtesy Queensland Art Gallery/Gallery of Modern Art

Could you tell us about a memorable event you experienced related to Asian contemporary art (a meeting, an exhibition, an artwork…)?

There have been a great number including the opening of the first Asia-Pacific Triennial and helping to bring extraordinary works into our institution’s collection such as With Winds, a painting by Lee U Fan, a Japanese artist of Korean descent, Chen Zhen’s  Invocationof Washing Fire which I discussed with him in Paris, and inviting  Cai Guo Qiang to the second Asia- Pacific Triennial where he created his wonderful gunpowder drawing Dragon or Rainbow Serpent in the carpark of our Gallery. Perhaps the most emotional moment was the reaction of audiences in the first Asia-Pacific Triennial in 1993 to Indonesian artist Dadang Christanto’s For those who have been killed, a sculptural work which he could not, at that time under the New Order regime, reveal was in part about the Indonesian killings of 1965. I had first seen this work in Indonesia piled in a shed in his home on the slopes of Mt Merapi. Our Australian audience responded with extraordinary empathy to his statement that the work had a universal meaning about suffering in the twentieth century, a century  of which Jacques Derrida observed: “No degree of progress allows one to ignore that never before in absolute figures, have so many men, women and children been subjugated, starved, or exterminated on earth.” Our visitors brought flowers and left notes, many related to their own personal stories.

Interview by Lou Anmella and Dorian Reunkrilerk – February 2021

Cai Guo Qiang creating Nine Dragon Wall Drawing for Dragon or Rainbow Serpent (gunpowder drawing)  in the car park of Queensland Art Gallery for Second APT 1996 – Courtesy Queensland Art Gallery/Gallery of Modern Art

Impliquée depuis de nombreuses années dans le milieu de l’art, Caroline Turner est indubitablement l’une des figures majeures de l’art asiatique. Auteure de “Art and Social Change : Contemporary Art in Asia and Pacific”, Caroline Turner s’est entretenue avec ACA project sur la scène artistique contemporaine asiatique. Son travail dévoile les liens étroits qui unissent l’héritage multiculturel de l’Asie à la mise en place d’un art contemporain proprement asiatique. L’évolution de l’art asiatique est marquée par son histoire qui recouvre des siècles d’échanges interculturels et un vaste paysage politique et social. L’art et la société sont indéniablement entremêlés.

Pouvez-vous vous présenter ? Quel est votre lien avec la scène artistique asiatique ? 

Je suis actuellement membre honoraire de l’Université Nationale Australienne. Je m’investie dans le milieu de l’art asiatique depuis les années 1980 en raison de mes fonctions de commissaire d’expositions, professionnelle du monde muséal et chercheuse. Je me suis rendue pour la première fois au Japon en 1982 et j’ai participé à la mise en place d’expositions collaboratives sur l’art contemporain australien et l’art japonais entre 1987 et 1989. Je suis aussi allée en Chine en tant que membre d’une délégation culturelle australienne en 1984 et j’ai entamé une collaboration avec le Musée de Shanghai et le Musée d’art de Shanghai. C’était juste après la Révolution Culturelle et le costume chinois des années maoïstes était encore porté – une période importante d’expérimentation dans l’art contemporain chinois. Le Musée d’art de Shanghai a été le premier à montrer cette forme d’art en Chine. Ces différentes expériences m’ont menée à mon institution actuelle, la Galerie d’art de Queensland, et à initier le lancement de plusieurs expositions pour la Triennale d’art contemporains Asie-Pacifique (APT) qui célébrera bientôt ses 30 ans et qui rassemble une des collections les plus conséquentes d’art contemporain d’Asie et du Pacifique. Je suis la cofondatrice de la Triennale dont j’ai supervisé la direction de projet pendant dix ans jusqu’en 2000. Nous avons travaillé conjointement avec des artistes et des professionnels du monde de l’art de toute l’Asie pour organiser la Triennale. Cette manifestation culturelle a changé le regard qu’un grand nombre d’Australiens, dont moi-même, portent sur notre pays et le monde.

Quelles sont les caractéristiques et les spécificités de cette scène artistique d’après vous ? 

Un lien important entre les traditions et les pratiques artistiques historiques, les religions et les cosmologies héritées du passé qui ont traversé des siècles  d’évolution, mais aussi et un engagement tout aussi conséquent pour une expérimentation radicale dans les pratiques artistiques modernes.
Une foi certaine en un art rattaché à la société et emprunt de l’engagement de divers artistes asiatiques qui projettent de dénoncer des maux ancrés dans la société à travers leur travail.
Un fort intérêt pour l’anticipation du futur des pays asiatiques et notamment des pays qui disposent des populations jeunes et complexes et aux destins parfois tragiques.
Une focalisation significative sur les initiatives des artistes et les projets éducatifs et collaboratifs qui soutiennent le développement de l’art dans toute l’Asie.
Les travaux des artistes peuvent refléter des enjeux majeurs en confrontant plusieurs communautés. De multiples artistes locaux ont récemment consacré leur travail aux problèmes d’injustice, de destruction environnementale, de perte d’identité culturelle, de pauvreté, de guerre et de violence. Une telle forme d’art ne s’adresse pas uniquement aux communautés locales ; mais aussi à l’humanité dans une plus large mesure. Il s’agit d’un thème que j’ai exploré dans mon ouvrage Art and Social Change (L’art et le changement social) et que j’ai développé dans un second livre Art and Human Rights: Contemporary Asian Contexts (L’art et les droits de l’homme: les contextes asiatiques contemporains) aux côtés de Jen Webb. 

Comme l’a dit l’artiste philippin feu Santiago Bose: “L’artiste ne peut qu’être affecté par la société. Il est difficile d’ignorer les besoins pressants d’une nation en réalisant un art qui est au service de l’élite de la nation…Nous avons lutté pour changer la société et nous avons tenté de préserver les aspects communs de nos vies…L’artiste prend position à travers sa pratique de l’art.” 

Lee Ufan installation including painting With Winds at 4th APT 2002 – Image courtesy Queensland Art Gallery/Gallery of Modern Art

Comment avez-vous pu constater que cette scène avait évolué ces cinq dernières années ? 

La scène de l’art contemporain en Asie a véritablement beaucoup évolué depuis les cinq dernières années, mais elle est en constante évolution depuis les années 1980.  Il y a désormais bien plus d’infrastructures dans les pays pauvres qui disposent de musées publics et privés. La plupart des nouvelles biennales d’art contemporain ont lieu en Asie et les initiatives des artistes demeurent importantes. Ces derniers abordent de nombreux problèmes majeurs actuels tels que le réchauffement climatique et emploient les nouvelles technologies de manière divertissante pour réaliser leurs œuvres et communiquer avec des divers publics.
Les artistes asiatiques ont largement contribué à la formation d’une nouvelle scène artistique contemporaine globale qui a émergé dans les années 1980. En 1997, j’ai assisté à une conférence à Bellagio en Italie au cours de laquelle des conservateurs originaires d’Asie, d’Afrique et d’Afrique du Sud ont remarqué le manque de représentation des artistes issus de leur région dans un milieu artistique toujours sous l’emprise de l’Europe et de l’Amérique du nord – le centre et la périphérie de l’art de référence. Cependant, aujourd’hui, l’art contemporain est vraisemblablement global et recouvre le passé et le futur de l’humanité et de notre planète.

Pouvez-vous affirmer qu’il n’existe qu’une seule scène artistique asiatique?   

L’histoire de l’art de chaque pays asiatiques est liée à un contexte contemporain. Néanmoins, cette région du monde dispose également d’une riche histoire commune, constituée d’échanges artistiques et d’idées, qui s’étend sur plusieurs milliers d’années. Le développement d’une focalisation locale sur l’art contemporain dans les années 1980 est l’une des caractéristiques de l’Asie. Il y a des histoires parallèles en Asie où la plupart des pays ont subi la colonisation des Européens et lutté pour former de nouvelles nations à l’ère du post-colonialisme. Les multiples obstacles qu’ils ont dû surmonter recouvrent des guerres et des régimes répressifs pour certains pays à l’image du régime de Marcos aux Philippines et de celui du Nouvel Ordre de Suharto qui censurait l’art et les artistes en Indonésie.
Aujourd’hui, les artistes voyagent, s’installent et travaillent à l’étranger. Il existe des réseaux artistiques palpitants et des collaborations qui ont été mises en place à travers l’Asie. Il y a aussi eu une générosité de partage et de travail solidaire. Par exemple, dans les années 1970, des artistes japonais ont initié des échanges avec des artistes généralement issus d’anciennes zones occupées par l’armée japonaise durant la Seconde Guerre mondiale afin de rétablir les relations entre leurs pays respectifs. Ils ont aussi offert diverses opportunités aux artistes de pays pauvres et émergents d’Asie tels que les artistes cambodgiens qui ont connu le génocide des Khmers Rouges. 

Pouvez-vous nous décrire un événement (une rencontre, une exposition, une œuvre d’art…) lié à l’art contemporain asiatique qui vous a particulièrement marqué ?

Un grand nombre de manifestations m’ont marquée telles que l’ouverture de la Triennale Asie-Pacifique dont j’ai participé à l’enrichissement de la collection avec des œuvres telles que With Winds, une peinture de l’artiste japonais aux origines coréennes Lee U Fan, Invocation of Washing Fire par Chen Zhen avec lequel je me suis entretenu à ce sujet à Paris, et le fantastique dessin à la poudre de canon Dragon ou Rainbow Serpent réalisé sur le parking de notre galerie par Cai Guo Qiang lorsque je l’avais invité à la seconde édition de la Triennale Asie-Pacifique en 1993. Le moment le plus émouvant a probablement été la réaction des différents publics face à l’œuvre sculptée For those who have been killed de l’artiste indonésien Dadang Christanto au cours de la première Triennale Asie-Pacifique en 1993. Révélant les massacres de masse en Indonésie de 1965, Dadang Christianto ne pouvait la montrer en raison du régime du Nouvel Ordre qui gouvernait alors l’Indonésie. J’ai vu cette œuvre pour la première fois entassée dans un cabanon sur les pentes du Mont Merapi, situé non loin de chez lui. La fantastique empathie dont a fait preuve notre public australien confirme l’observation de l’artiste: son œuvre est l’expression d’une souffrance universelle vécue au XXe siècle. Il s’agit d’une période que Jacques Derrida qualifie en ces termes: “ Aucun degré d’évolution ne nous autorise à ignorer, avant que l’on en ait les chiffres exacts, que tant d’hommes, de femmes et d’enfants ont été assujettis, affamés et exterminés sur cette terre.” Nos visiteurs ont apporté des fleurs et laissé des messages; beaucoup d’entre eux s’y sont identifiés. 

Entretien réalisé par Lou Anmella et Dorian Reunkrilerk – Février 2021