Jaye Rhee: Artists Residency at Delfina Foundation
By Eleanor Stephenson
What is the Delfina Foundation ?
The Delfina Foundation was founded by legendary patron, Delfina Entrecanales in 2007, as the successor to the Delfina Studio Trust. In 2014, championed by the director, Aaron Cezar, this not-for-profit foundation expanded to it’s current home in 31 Catherine Place, becoming London’s largest provider of international residences for artists, creative practitioners and collectors.
Residency Program
The Delfina Foundation hosts up to eight cultural practitioners as residents at any one time, housed across the two Edwardian houses. Artists have a unique opportunity to research and develop ideas throughout the ‘studios’, which are not defined or limited to the gallery space or library but are considered to be the entire house – artists can make art anywhere they choose, from the communal kitchen area to the outdoor terrace. This freedom reflects the mix of artists in residents, in both background and practice, for example the South Korean born multi-media artist, Jaye Rhee.
Jaye Rhee Bio/Residency :
Jaye Rhee explores systems of fantasy within the evasive nature of desire, using film, photography, performance art and dance. During her Delfina residency (18/02/2019-31/03/2019) Jaye researched songs that represent collective longing towards homes as a utopia and developed a new project investigating memory across cultural space and time. One of the songs Rhee came across is titled Arizona Cowboy, a South Korean Spaghetti Western song, from 1959. The chorus translated as ‘with hope and longing we go over this hill, for hometown and mother,’ a nostalgic lyric which longs for a long-lost homeland.
The year Myung Kukhwan released his song, South Korea was still a war-torn nation, attempting to piece itself back together by finding a distinct a cultural identity. The new, ‘Modernized’ cultural identity of South Korean society, was in some ways informed by the American military presence, evidenced by the popularity of this ‘Western’ song. Rhee’s interests in notions of ‘home’ and memory, stem from Korea’s complex relationship with their American allies, however, it is the imaginative, fantasy element to this feeling of ‘lost homeland’, that has informed her recent body of work.
Jaye Rhee and I had a conversation at the end of her residency at the Delfina Foundation, discussing her deep interest in merging dance with performance art.
Jaye Rhee Interview by Eleanor Stephenson at the Delfina Foundation
Eleanor Stephenson : Could you please explain your practice ? And the exploration of themes such as memory and imagination ?
Jaye Rhee : I do multi-media work; I make sculptural objects, video and music. I am interested in mechanisms of fantasy, how we generate or construct memory. What you believe in is what you see: it is a desire that makes the image, that registers images in you.
ES : How do you perceive the overlap of dance and performance art ?
JR : I have a fascination with dance and dancers, because it is very physical. I did lots of performance projects, but I never thought of it as dance. After I made Notes in 2007, I wanted to make another piece, but using the trained body. You think you control your body, but you cannot, unless you train your body. I didn’t know how it would come into being. In 2010, I had the time and support to spend one year and a half, almost two years, exploring this new project with dance. I went to see lots of modern and contemporary dance performances. I took some dance classes to learn but also to meet other dancers and dance students. I went to many workshops, often just sitting in the room and then talking to people. Around Christmas of 2010, Merce Cunningham’s dance group disbanded. This was such an important moment for me, witnessing Cunningham’s work in the 1990s, he was like the Le Corbusier of dance. I thought, ‘I would like to work with them’, but I kept searching for dancers from other companies.
Then one day, I just walked down the street and bumped into an old friend in my neighborhood in New York. He had time for a coffee and I told him about my idea, ‘I want to work with the dancers who used to work with Merce Cunningham’. He asked me, ‘do you know Robert Swinston? He did some performances, you should talk to him.’ So I went to Danspace Project in the East Village, they had a workshop and I spoke to Robert Swinston and he agreed to do this project. In February 2013, we started shooting for The Flesh and the Book.
The story I have just told you, makes it sound like this project was easy. However, I found it very difficult to find ‘old dancers’, who had passed their body peak. It is conceptual, because they could physically continue dancing. I am not a dancer and so when I had this idea about the trained body, it was very literal. My mistake was to refer to these dancers as ‘retired’. When I talked to curators, they also didn’t pick up on my mistake of looking for ‘retired dancers’. Dancers never stop being dancers, it is their identity. I couldn’t find any retired dancers! They were so offended. Then, I changed my terminology to ‘mature dancers’, or ‘older dancers’ and that was magic. From that point on, I started to have many meetings with dancers and this project happened.
ES: What do you think of reenacting dance or performance pieces ?
JR : Every performance is unique and special, even if it is scripted. If a person copies a dance, it is a repeated action.
ES: What about the video recordings ?
JR : The dance has been performed for the camera, so it is different to a live performance.
ES: Do you think there is a difference between trained body and muscle memory ?
JR : This idea has been on my mind recently. Mind has muscle too. The title, The Flesh and the Book, is significant. By using these two words, flesh and book, I wanted to give this space, physical and material.
ES : What are your upcoming projects ?
JR : I am participating in the special exhibition of 2019 Gwangju Design Biennale which has opened on July 12th. My work is also on view at High Museum of Art in Atlanta as part of their collection exhibition. On September 26th, I also have an artist talk with the curator, Michael Rook at High Museum of Art. In November till March next year, I am participating in an exhibition with my new project at SeMA (Seoul Museum of Art) as part of their group exhibition.
Jayee Rhee currently works and lives in New York and is preparing for an exhibition in 2020 in Shanghai.
Jayee Rhee currently works and lives in New York and is preparing for an exhibition in 2020 in Shanghai.
Quel est le rôle de la Fondation Delfina ?
La Fondation Delfina a été fondée par le mécène légendaire, Delfina Entrecanales en 2007, pour succéder au Delfina Studio Trust. En 2014, sous la défense du directeur Aaron Cezar, cette fondation à but non lucratif s’étend à son siège actuel au 31 Catherine Place, devenant ainsi le plus grand fournisseur londonien de résidences internationales pour artistes, praticiens de la création et collectionneurs.
Une résidence d’artistes
La Fondation Delfina accueille jusqu’à huit praticiens de la culture en tant que résidents à la fois, répartis dans les deux maisons édouardiennes. Les artistes ont une opportunité unique de rechercher et de développer des idées dans tous les studios, qui ne sont ni définis ni limités à la galerie ou à la bibliothèque mais sont considérés comme la maison dans son ensemble – les artistes peuvent créer de l’art n’importe où, à partir de la cuisine commune sur la terrasse extérieure. Cette liberté reflète le mélange d’artistes présents chez les résidents, tant par leur origine que par leur pratique, par exemple l’artiste multimédia né en Corée du Sud, Jaye Rhee.
Le séjour de Jaye Rhee
Jaye Rhee explore les systèmes de fantaisie dans la nature évasive du désir en utilisant le film, la photographie, la performance et la danse. Au cours de sa résidence à Delfina (18/02 / 2019-31 / 03/2019), Jaye Rhee a recherché des chansons qui représentent une aspiration collective à la maison comme une utopie et a développé un nouveau projet explorant la mémoire à travers l’espace et le temps culturels. L’une des chansons que Jaye Rhee a rencontrées s’intitule Arizona Cowboy, une chanson sud-coréenne des Spaghetti Western datant de 1959. Le chœur se traduit par «avec espoir et ardeur nous allons sur cette colline, pour ville natale et mère», un lyrique nostalgique qui aspire à patrie perdue depuis longtemps.
L’année de la parution de sa chanson par Myung Kukhwan, la Corée du Sud était toujours une nation déchirée par la guerre, essayant de se ressaisir en trouvant une identité culturelle distincte. La nouvelle identité culturelle «modernisée» de la société sud-coréenne était en quelque sorte éclairée par la présence militaire américaine, illustrée par la popularité de cette chanson «occidentale». Les intérêts de Ree dans les notions de «foyer» et de mémoire découlent de la complexité de la Corée. Dans leurs relations avec leurs alliés américains, cependant, c’est l’élément imaginatif et fantaisiste de ce sentiment de «patrie perdue» qui a éclairé son œuvre récente.
À la fin de sa résidence à la Fondation Delfina, Jaye Rhee et moi avons discuté de son profond intérêt pour la fusion de la danse et de la performance.
Eleanor Stephenson: Pourriez-vous expliquer votre pratique? Et l’exploration de thèmes tels que la mémoire et l’imagination ?
Jaye Rhee : Je fais du travail multimédia. Je fais des objets sculpturaux, de la vidéo et de la musique. Je m’intéresse aux mécanismes de la fantaisie, à la manière dont nous générons ou construisons la mémoire. Ce en quoi vous croyez, c’est ce que vous voyez: c’est un désir qui crée l’image, qui enregistre les images en vous.
ES : Comment percevez-vous le chevauchement de la danse et de la performance ?
JR : Je suis fasciné par la danse et les danseurs car c’est très physique. J’ai fait beaucoup de projets de performance, mais je n’y ai jamais pensé comme une danse. Après avoir créé Notes en 2007, je voulais créer une autre pièce, mais en utilisant le corps formé. Vous pensez que vous contrôlez votre corps, mais vous ne pouvez pas, sauf si vous entraînez votre corps. Je ne savais pas comment cela allait naître. En 2010, j’ai eu le temps et le soutien nécessaires pour passer un an et demi, presque deux ans, à explorer ce nouveau projet avec la danse. Je suis allé voir beaucoup de spectacles de danse moderne et contemporaine. J’ai pris des cours de danse pour apprendre, mais aussi pour rencontrer d’autres danseurs et étudiants en danse. J’ai assisté à de nombreux ateliers, souvent assis dans la salle puis parlant aux gens. Aux alentours de Noël 2010, le groupe de danse de Merce Cunningham s’est dissout. C’était un moment tellement important pour moi. En voyant le travail de Cunningham dans les années 1990, il était comme le Le Corbusier de la danse. Je pensais: « Je voudrais travailler avec eux », mais je continuais à chercher des danseurs d’autres compagnies.
Puis un jour, je me suis promené dans la rue et suis tombé sur un vieil ami de mon quartier, à New York. Il avait le temps de prendre un café et je lui ai parlé de mon idée: «Je veux travailler avec les danseurs qui travaillaient avec Merce Cunningham». Il m’a demandé: «Connais-tu Robert Swinston? Il a fait quelques performances, tu devrais lui parler. ’Je suis donc allé à Danspace Project dans l’East Village, ils avaient un atelier et j’ai parlé à Robert Swinston et il a accepté de faire ce projet. En février 2013, nous avons commencé à tourner pour The Flesh and the Book.
L’histoire que je viens de vous raconter donne l’impression que ce projet était facile. Cependant, j’ai trouvé très difficile de trouver des «vieux danseurs» ayant dépassé leur apogée. C’est conceptuel, car ils pourraient continuer à danser physiquement. Je ne suis pas un danseur et quand j’ai eu cette idée du corps formé, c’était très littéral. Mon erreur a été de qualifier ces danseurs de «retraités». Quand j’ai parlé aux conservateurs, ils n’ont pas non plus pris conscience de mon erreur de chercher des « danseurs à la retraite ». Les danseurs ne cessent jamais d’être des danseurs, c’est leur identité. Je n’ai trouvé aucun danseur à la retraite! Ils ont été tellement offensés. Ensuite, j’ai changé ma terminologie en «danseuses matures» ou «danseuses plus âgées».
ES : Que pensez-vous de la reconstitution de danses ou de performances ?
JR : Chaque performance est unique et spéciale, même si elle est scriptée. Si une personne copie une danse, c’est une action répétée.
ES : Qu’en est-il des enregistrements vidéo ?
JR : La danse a été réalisée pour la caméra, donc c’est différent d’une performance en direct.
ES : Pensez-vous qu’il existe une différence entre la mémoire corporelle entraînée et la mémoire musculaire ?
JR : Cette idée m’est venue à l’esprit récemment. L’esprit a du muscle aussi. Le titre, La chair et le livre, est significatif. En utilisant ces deux mots, chair et livre, j’ai voulu donner cet espace, physique et matériel.
ES : Quels sont vos projets à venir ?
JR : Je participe à l’exposition spéciale de la Biennale du design de Gwangju 2019, qui a ouvert ses portes le 12 juillet. Mon travail est également présenté au High Museum of Art d’Atlanta dans le cadre de l’exposition de leurs collections. Le 26 septembre, j’ai également une discussion avec le conservateur, Michael Rook, du High Museum of Art. En novembre et en mars de l’année prochaine, je participe à une exposition collective avec mon nouveau projet au SeMA (Musée d’art de Séoul).
Jayee Rhee vit et travaille actuellement à New York et se prépare pour une exposition en 2020 à Shanghai.
Traduction par Lou Anmella de Montalembert.