Li Chevalier was born in 1961 in Beijing, China. She uses a mixed technique in her works, mixing the technique of Chinese ink with the Western support that is canvas. Between abstract and figurative art, she transposes her philosophical and existentialist reflections into her paintings.

What was your relationship with art during your childhood?

I grew up during the Cultural Revolution, which began in 1966. The atmosphere of the so-called cultural revolution turned primarily against the intellectuals and the culture they represented : all the cultural heritage of the past had to be destroyed, and any Western influence had to be squeezed out. Thus, the wife of President Mao eliminated all the repertoire of the old Opera. It was replaced by eight revolutionary operas, which looped every day on television and radio. We lived in a sort of cultural « monody », characterized by a unique thought, a unique voice. The country was no longer producing, and the people helped by creating shows to sing the glory of the Party and Mao. Music, singing, dancing and performances were a big part of everyday life. As a child, I felt a real fascination for these operas, which I dreamed of being part of. At the same time, I took drawing and ink painting classes with a lot of diligence and passion. In 1976, at the age of 15, I was recruited by the army to sing. The same year, Mao passed away and the reform began: the country opened, and opened culturally. Gradually, the university also opened, with the possibility to follow graduate studies. I then left the army after 5 years of work and I took the entrance examination test of the university. I succeeded, despite my loss of high school years, to integrate the University of Economic Relations and International Business in Beijing, which trained future officials of the Ministry and various embassies. I was not interested in international finance courses and I spent my time singing and collecting books of philosophy and foreign literature, which were banned during the cultural revolution and reissued at that time. In this university, I had access to international journals and courses given by foreign teachers in English. It was a window to the world. The university offered me this opportunity to expand my vision of the world.

You came to France to study political sciences and philosophy. What encouraged you to study art afterwards?

The 4 years of studies at Sciences Po and the postgraduate degree in political philosophy gave me the opportunity to develop my critical thinking. I went there because I was looking for answers to my personal questions. In parallel to my studies, I sang in the Orchestre de Paris. Knowing that I could not pursue a career as a great vocalist in Europe because of the singing style that I had been taught in China, too different from this one, I turned to my second interest: painting and drawing.

Tell us about your beginnings as an artist.

In 1990, I discovered the city of Venice in Italy. I met many painters: it shook me. Italy had a key role in my career, for the richness of its images and the artistic heritage of the country that stunned me. I made regular trips to Venice and then to Firenze. In Siena, I met a Dominican priest of the Basilica; I then started Italian language courses and drawing classes. The first years of my apprenticeship in oil painting were of course the reproduction of masterpieces of the Renaissance. I have made constant trips back and forth to Italy since the beginning of the 1990s until today.

How has your work evolved?

In the career of an artist, there are moments of learning, lack of progression, slow shifts towards an evolution but there are also moments of revolution. In 2003, I went from oil painting to mixed media painting using Chinese ink. In 2010, I started my first installation.

Why are you interested in mixing techniques?

In 2003, I presented a bright red figurative painting that had a surrealist spirit at the French Salon of the National Society of Fine Arts. Judged too close to European surrealism by my master Pierre Henry, I decided to explore other paths. In 2004, I started working with ink, following a mixed media workshop at Saint Martins School (London). At the end of this first experiment, I presented a collection of ink on canvas works, in a quite experimental spirit.

It has elicited many comments: never before has been seen this link between the typically oriental medium that is ink, coupled with a form of European expression, on canvas. However, there is a great distance between these two techniques.

Li Chevalier in her studio in Ivry-sur-Seine

What is the importance of philosophy and politics in your work?

I never had a professional interest in political science or philosophy, my interest came more from personal researches. I was looking for answers to my questions. My postgraduate degree director in philosophy himself acknowledged: « You came here to ask questions and to look for answers, not a diploma ». He gave a very good mention to my postgraduate degree and invited me to pursue my doctoral studies. Today, my canvases are filled with question marks. In a more political approach, I was able to question the legality of a political regime or the value of men. I am still deeply concerned by those questions in my everyday life  but on my canvas, my question marks focus  more on existential and metaphysical levels.  Let me quote some titles of my works: Beyond the horizon (2010); The horizon is a precipice. The second is clearly more pessimistic : it is a line drawn on the horizon that is more or less distant in our life, the one that awaits us and watches us all. It is a line that we must cross alone. It refers to this anxiety and the feelings of loneliness that « inhabits » the man.

What is the influence of your Chinese origins (culture, cultural revolution …) and the influence of your experience in France and in the West in your work?

My work presents itself as a language of encounters. A « plastic » meeting  first : as I mentioned, it is the meeting between the Chinese ink, typically Chinese, with the canvas, a typical Western support. This media revolution gave me the opportunity to play with all the mixed media techniques received from the West, allowing the creation of textures by gluing or by embedding sand on the surface of the canvas for example.

The meeting also takes place through different thematics and aesthetics. I would like to quote a passage from the text of the Museum of Contemporary Art in Rome’s curator, Claudio Crescentini, which, in my opinion, sums up my approach very well: « Li derives and moves away today from the stereotypes of oriental preciousness, which she transcends by her gestures, her mixtures, her eclecticism and her pathos.  »

I think that the word « pathos » here is a key word that refers to this jump that I made from the East to the West, because oriental art, whether pictorial or musical, has always been faithful to its vocation, namely to « feed life in a harmonious way ». It desperately tries to get away or to avoid suffering, while the West does not hesitate, and I would even say, loves to cultivate all the dimensions of the soul in order to reach an expression of great amplitude and a strong emotional impact. In the word « sublime » one already hears the word « pathos » and these exaltations of passion such as loneliness, terror, the fear of death, even in a contemplative sphere, introduces a kind of painful dissonance that attracts me and that is close to me. In a certain sense, the impact of this Western aesthetic on my mental state was decisive and with no possible return.

There is an influence of Asian aesthetics in your work: are you rather in an approach of rupture or continuity towards this Asian influence?

I try to make a kind of peaceful revolution, by inventing an art form based on an inheritance, but that also is in the tune with its time. Many contemporary artists or musicians also share this point of view. I can quote the composers Thierry Escaich, Karol Beffa, Peteris Vasks and Avro Pärt: their music does not deny the past but is at the same time very powerful, innovative and contemporary.

Do you think you are part of a « third way », which would be between France and China?

The sinologist François Jullien speaks of « ink between ». Plastically, I think I am in between the two cultures. I use ink on canvas to express themes that are close to my heart such as loneliness, death, and other existential questions. I do not want to chose between figuration and abstraction. I am in between. Anselm Kiefer said: « Kandinsky is interesting when he is not yet in total abstraction ». I think I have too much to say to fall into abstraction. In my work there is rather a semi-abstraction: the space of interpretation for the spectator is wider, more vague, more tolerant. I am also in between technics: I use ink but not on paper, as the Chinese tradition. I use canvas because it allows me to add textures like sand, or collages. It also increases the expression: there is a wealth of work and expression possibilities different from what can be done on paper. Ink is associated with water, with the East, with the uncontrollability of life. My work evokes the infinitely smallness of man in the universe, the humility of man. Water evokes a desire to control something impossible: we must accept that control can escape us. There is a charm of the unknown. François Jullien’s thinking on this subject is interesting: he brings a vision of Chinese painting but also a dialogue between Western and Chinese aesthetics.

Is your work as much known in France as it is in China?

I have an international career. I lived long periods in England, China, Indonesia, Japan, Qatar and the Emirates. My stays were long enough to create a network there. My work is mainly collected by institutions in China, and more by private collectors in Europe. In China, my works are part of the permanent collection of the National Museum of Fine Arts of China, the Museum of the National Opera of China and also the French Embassy in Beijing, a symbolic place of diplomacy, exchanges and crossroads between these two countries. In France, my first major monographic exhibition took place in 2013, in Bordeaux, on the occasion of the 50th anniversary of France-China diplomatic relations. This exhibition, which had a great impact, resulted in a collection of my artworks by the Bernard Magrez Institute. My works are very present in large Italian artistic spaces, particularly at the Museum of Contemporary Art in Rome. They are currently on display at the Siena Santa Maria della Scala Museum complex.

Concert-Exhibition « Visual Symphony », National Beijing Opera, 2013

Do your works receive the same reception in the West and in China?

I would say there is a common reaction. On both sides, those who have never been exposed to my art, so closely linked to my career, feel a kind of singularity in front of my work . To conclude, I will quote a criticism of Gerard Xuriguera: « Li Chevalier did not give in to the temptation to draw a bridge between East and West: she created a world, her world. »

Do you show the same type of work anywhere in the world? Or do you adapt the selection of your work according to the country where it is presented?

The choice of works will be different depending on whether they are shown in galleries, fairs or museums. In the galleries the approach is rather commercial, whereas in a museum the artist can reveal all of his/her creation in a more coherent way. I insist more on an institutional presence, because they are places that give all the possibilities to the artists in their search of emotional impact, by deploying their capacities of scenography. The exhibition itself becomes a work that is created locally and adapted to each place and occasion.

Exhibition « The poetic East » in 2011, Shanghaï National Gallery

What are your next projects?

I am exhibiting this summer at the Siena Museum. I chose to present two multimedia installations that I made, accompanied by two musical pieces of Karol Beffa.

Do you have a dream, an aspiration, a particular ambition …?

Today my dream would be to have a strong presence in major international art platforms. And also that in 200 years, when my grandchildren will tour museums in the world, or on the Internet, we can tell them: « Here are the paintings of your grandmother ». I am looking for a dialogue with the future in order to transcend time.

Interviewed by Camille Scheiblin and Lou Anmella-de Montalembert, April 2018


Li Chevalier est née en 1961 à Pékin, en Chine. Elle emploie dans ses œuvres une technique mixte, mêlant la technique de l’encre de Chine au support plus occidental qu’est la toile. Entre abstrait et figuratif, elle transpose dans ses tableaux ses réflexions philosophiques et existentialistes.

Quels sont vos rapports avec l’art lors de votre enfance ?

J’ai grandi à l’époque de la révolution culturelle, qui a débuté en 1966. L’ambiance de la révolution dite culturelle se retourna avant tout contre les intellectuels et la culture qu’ils représentaient : tout l’héritage culturel du passé devait être détruit, et toute influence de l’Occident devait être évincée. C’est ainsi que l’épouse du président Mao élimina tout le répertoire de l’ancien Opéra. Il fût remplacé par 8 opéras révolutionnaires, qui passaient en boucle tous les jours à la télévision et à la radio. Nous vivions dans une sorte de « monodie » culturelle, caractérisée par une pensée unique, une voix unique. Le pays ne produisait plus, et la population contribua à créer des spectacles pour chanter la gloire du Parti et de Mao. La musique, le chant, la danse et la performance étaient très présents au quotidien.
En tant qu’enfant, j’éprouvais une vraie fascination pour ces opéras, dont je rêvais d’être protagoniste. J’ai suivi parallèlement des cours de dessin et de peinture à l’encre avec beaucoup d’assiduité et de passion. En 1976, à l’âge de 15 ans, j’ai été recrutée par l’armée pour y chanter. La même année, Mao est décédé et la réforme a débuté : le pays s’est ouvert, notamment culturellement. Progressivement, l’université s’est également ouverte, avec la possibilité de suivre des études supérieures. J’ai alors quitté l’armée après 5 ans pour me présenter au concours d’entrée de l’université. J’ai réussi, malgré mes années de lycée perdues, à intégrer l’Université des Relations Économiques et de Commerce International à Pékin, qui formait les futurs fonctionnaires du Ministère et des diverses ambassades. Je m’intéressais peu aux cours de finance internationale et j’ai passé mon temps à chanter et à collectionner les livres de philosophie et de littérature étrangère, interdits durant toute la révolution culturelle et réédités à cette époque. Dans cette université, j’ai eu accès aux revues internationales et aux cours donnés par des professeurs étrangers directement en langue anglaise. C’était une fenêtre sur le monde. L’université m’a offert cette possibilité d’étendre ma vision du monde.

Vous êtes venue en France pour y étudier les sciences politiques et la philosophie.
Qu’est-ce qui vous a poussé à vous ré-orienter vers des études d’art par la suite ?

Les 4 années d’études à Sciences Po et le DEA en philosophie politique m’ont offert la possibilité de développer mon esprit critique. J’y suis allée pour chercher des réponses à mes questions. Parallèlement à mes études, je chantais dans l’Orchestre de Paris. Sachant que je ne pouvais pas poursuivre une carrière de grande chanteuse lyrique en Europe à cause du style de chant que l’on m’avait enseigné en Chine, trop différent de celui-ci, je me tournai alors vers mon second centre d’intérêt: la peinture et le dessin.

Parlez-nous de vos débuts en tant qu’artiste.

En 1990, j’ai découvert la ville de Venise en Italie. J’y ai rencontré de nombreux peintres : cela m’a ébranlée. L’Italie a eu un rôle primordial dans ma carrière, pour la richesse de ses images et l’héritage artistique du pays qui m’ont abasourdi. J’ai effectué des voyages réguliers à Venise, puis à Florence. A Sienne, j’ai rencontré un prêtre dominicain de la basilique; j’ai alors entamé des cours de langue italienne et des cours de dessin. Les premières années de mon apprentissage en peinture à l’huile ont consisté bien entendu en la reproduction de chefs d’œuvre de la Renaissance. J’ai fait des allers-retours constants en Italie depuis le début des années 1990 jusqu’à aujourd’hui.

Comment votre œuvre a-t-elle évolué depuis ?

Dans le parcours d’un artiste, il y a des moments d’apprentissages, de piétinements, de glissements lents vers une évolution mais il y a aussi des moments de révolutions. En 2003, je suis passée de la peinture à l’huile à la peinture dite « techniques mixtes », utilisant de l’encre de Chine. En 2010, j’ai entamé ma première installation.

Pourquoi cette volonté de mixer les techniques vous intéresse-t-elle ?

En 2003, j’ai présenté au Salon de la Société Nationale des Beaux Arts Français un tableau rouge vif figuratif teinté d’esprit surréaliste. Jugé trop proche du surréalisme européen par mon maitre Pierre Henry, j’ai décidé d’explorer d’autres voies. En 2004, j’ai commencé à travailler à l’encre suite à un atelier de techniques mixtes suivi à l’école Saint Martins (Londres). A l’issue de cette première expérimentation, j’ai présenté une collection d’œuvres à l’encre sur toile, dans un esprit tout a fait expérimental. Elle a suscité beaucoup de commentaires : jamais auparavant on n’avait vu ce lien entre le médium typiquement oriental qu’est l’encre, couplé à une forme d’expression européenne, sur toile. Or, il y a une grande distance entre ces deux techniques.

Quelle place accordez-vous à la philosophie et la politique dans votre œuvre ?

Je n’ai jamais eu d’intérêt professionnel pour les sciences politiques ou la philosophie, mon intérêt venait plus de recherches personnelles, il s’agissait d’une quête de réponses à mes interrogations. Le directeur de mon DEA de philosophie l’a lui-même reconnu : « Vous êtes venue poser des questions et chercher des réponses, et pas un diplôme ». Il a accordé une mention très bien à mon diplôme de DEA et m’a invitée à poursuivre mes études en doctorat. Aujourd’hui, mes toiles sont remplies de points d’interrogation. Dans une approche plus spécifiquement politique, j’ai pu me questionner sur la légalité d’un régime politique ou la valeur de l’homme. Ce sont des questions qui me préoccupent toujours profondément mais sur mes toiles, mes points d’interrogation s’élèvent vers des horizons plutôt existentiels ou métaphysiques. Je vous cite quelques titres de mes œuvres : « Beyond the horizon » (2010); « L’horizon est un précipice ». Le second est clairement plus pessimiste : il s’agit d’une ligne située à l’horizon plus ou moins lointaine dans notre vie, celle qui nous attend et nous guette tous. C’est une ligne que nous devons franchir seul. Cela renvoie à cette angoisse et aux sentiments de solitude qui « habitent » l’homme.

Li CHEVALIER, « Beyond the horizon », 2010


Quelle est la part d’influence de vos origines chinoises (la culture, la révolution culturelle…) et la part d’influence de votre expérience en France et en Occident dans votre œuvre ?

Mes travaux se présentent comme une langue de rencontre. Une rencontre « plastique » tout d’abord : comme je l’ai mentionné, il s’agit de la rencontre entre l’encre de Chine, typiquement chinoise, avec la toile, support typiquement occidental. Cette révolution des supports m’a donné la possibilité de jouer avec toutes les techniques mixtes reçues de l’Occident, permettant la création de textures par collage ou par intégration de sable sur la surface de la toile par exemple.
La rencontre s’opère également sur le plan thématique et esthétique. Je cite à ce propos un passage du texte du conservateur du Musée d’Art Contemporain de Rome, Claudio Crescentini, qui, à mon avis, résume bien mes démarches: « Li dérive et s’éloigne aujourd’hui des stéréotypes des préciosités orientales, qu’elle transcende par ses gestes, ses mélanges, son éclectisme et son pathos. » Je pense que le mot « pathos » ici, est un mot clé s’apparentant à ce saut que j’ai effectué de l’Orient vers l’Occident, car l’art oriental, qu’il soit pictural ou musical, a toujours été fidèle à sa vocation, à savoir de « nourrir la vie de façon harmonieuse » . Il cherche désespérément à s’éloigner ou à éviter la souffrance, alors que l’Occident n’hésite pas, et je dirais même, adore cultiver toutes les dimensions de l’âme afin d’atteindre une expression d’une grande amplitude et d’un fort impact émotionnel. Dans le mot « sublime », on entend déjà le mot « pathos » et ces exaltations des passions telles que la solitude, la terreur, l’angoisse de la mort, même dans une sphère contemplative, introduisent une sorte de dissonance douloureuse qui m’attire et qui m’est proche. Dans un certain sens, l’impact de cette esthétique occidentale sur mon état mental fût décisive et sans retour.

Il y a une influence de l’esthétique asiatique dans votre travail : êtes-vous plutôt dans
une démarche de rupture ou de continuité envers cette influence asiatique ?

J’essaie d’opérer une sorte de révolution pacifique, en inventant une forme d’art basée sur un héritage, mais bien en phase avec notre temps. Beaucoup d’artistes ou musiciens contemporains partagent ce point de vue. Je peux ainsi citer les compositeurs Thierry Escaich, Karol Beffa, Peteris Vasks et Avro Pärt : leurs musiques ne nient pas le passé mais sont à la fois très puissantes, novatrices et contemporaines.

Pensez-vous faire partie d’une “troisième voie”, qui se situerait entre la France et la Chine ?

Le sinologue François Jullien parle d’ « encre entre ». Plastiquement, je pense me situer entre les deux cultures. L’encre sur toile sert à exprimer les thèmes qui me tiennent à cœur comme la solitude, la mort, les interrogations existentielles. Je ne souhaite pas aller ni vers la figuration, ni vers l’abstraction. Je suis entre les deux. Anselm Kiefer disait : « Kandinsky est intéressant quand il n’est pas encore dans une totale abstraction ». Je pense avoir trop de choses à dire pour tomber dans l’abstraction. Dans mon œuvre il y a plutôt une semi-abstraction : l’espace d’interprétation pour le spectateur est plus large, plus flou, plus tolérant. Je me situe aussi dans un entre-deux sur le plan technique : j’utilise l’encre mais pas sur papier, comme le veut la tradition chinoise. J’emploie la toile car cela permet un ajout de textures comme le sable, ou des collages. Elle permet également d’augmenter l’expression : il y a une richesse des possibilités de travail et d’expression autre que ce que l’on peut faire sur papier. L’encre est associée à l’eau, à l’Orient, à l’incontrôlabilité de la vie. Mon œuvre évoque l’infiniment petit de l’homme dans l’univers, l’humilité de l’homme. L’eau évoque une envie de maîtriser quelque chose d’impossible: on doit accepter que le contrôle puisse nous échapper. Il y a un charme de l’inconnu. La pensée du sinologue François Jullien à ce sujet est intéressante : il apporte une vision de la peinture chinoise mais aussi un dialogue entre les esthétiques occidentales et chinoises.

Votre œuvre est-elle autant connue en France qu’en Chine ?

Ma carrière est internationale. J’ai vécu de longues périodes en Angleterre, en Chine, en Indonésie, au Japon, au Qatar et aux Émirats. Mes séjours ont été suffisamment longs pour me créer un réseau là-bas. Mon travail est principalement collectionné par les institutions en Chine, et davantage par des collectionneurs privés en Europe. En Chine, mes travaux font partie de la collection permanente du Musée National des Beaux Arts de Chine, du musée de L’Opéra National de Chine et aussi de l’Ambassade de France à Pékin, lieu symbolique de la diplomatie, des échanges et des croisements entre ces deux pays. En France, ma première grande exposition monographique ne date que de 2013, à Bordeaux, à l’occasion du 50 ème anniversaire des relations diplomatiques France-Chine. Cette exposition, qui a eu une grande répercussion, a débouché sur une collection de mes œuvres par l’Institut Bernard Magrez. Mes travaux sont très présents dans de grands espaces artistiques italiens, notamment au Musée d’art contemporain de Rome. Ils sont en ce moment en exposition au Complexe Muséal de Sienne.

Tableaux de Li CHEVALIER à l’ambassade de France en Chine


Exposition au musée d’art contemporain de Rome, « Li Chevalier : Trajectoires du désir », 2017

Vos œuvres sont-elles reçues de la même manière en Occident et en Chine ?

Je dirais qu’il y a une réaction commune. De part et d’autre, ceux qui n’ont jamais été exposés à mon art, si intimement lié à mon parcours, ressentent devant mes travaux une sorte de singularité. Pour conclure, je citerai une critique de Gérard Xuriguera:  « Li Chevalier n’a pas cédé à la tentation de tracer un pont entre Orient et Occident: elle a créé un monde, son monde. »

Montrez-vous le même type d’œuvre partout à travers le monde ? Adaptez-vous la sélection de votre travail selon le pays où il est présenté ?

Le choix des œuvres va être différent selon qu’il s’agisse de galeries, de foires ou de musées. Dans les galeries la démarche est plutôt commerciale, tandis que dans un musée l’artiste peut dévoiler l’ensemble de sa création de façon plus cohérente. J’insiste davantage sur une présence institutionnelle, car ce sont des lieux qui donnent toute possibilité aux artistes dans leurs recherches d’impact émotionnel, en déployant leurs capacités de scénographie. L’exposition en elle-même devient alors une œuvre qu’on crée sur place et qu’on adapte à chaque lieu et chaque occasion.

Exposition à la base sous marine de Bordeaux, « Li Chevalier : L’Art du Croisement », 2014

Quels sont vos prochains projets ?

J’expose cet été au complexe muséal de Sienne. J’ai choisi de présenter deux installations multimédia que j’ai réalisées, accompagnées de deux pièces musicales de Karol Beffa.


Exposition au complexe muséal de Sienne, « Li Chevalier : Obscure Clarté » du 1er juin au 30 septembre 2018

Avez-vous un rêve, une aspiration, une ambition particulière… ?

Aujourd’hui mon rêve serait d’avoir une forte présence sur les grandes plateformes artistiques internationales. Et aussi que dans 200 ans, quand mes petits enfants feront le tour des musées dans le monde, ou sur la toile, on puisse leur dire : « voilà les peintures de votre aïeule « . Je suis à la recherche d’un dialogue avec le futur afin de transcender le temps.


Propos recueillis par Camille Scheiblin et Lou Anmella-de Montalembert, avril 2018


In April 2018, ACA project asked 8 questions to Li Chevalier, who had to answer by taking pictures in her studio – based in Ivry-sur-Seine, in the parisian suburb.

En avril 2018, ACA project a posé 8 questions à Li Chevalier, qui doit répondre en photo dans son atelier – situé à Ivry-sur-Seine, en banlieue parisienne.


What is the latest artwork you created?

Quelle est la dernière œuvre que vous avez créée ?

© Li Chevalier – Courtesy ACA project


What is your favorite artwork in your studio?

Quelle œuvre préférez-vous au sein de votre atelier ?

© Li Chevalier – Courtesy ACA project


What is your favorite object?

Quel est votre objet préféré ?

© Li Chevalier – Courtesy ACA project


What is your favorite working tool?

Quel est votre outil de création privilégié ?

© Li Chevalier – Courtesy ACA project


What inspires you?

Qu’est-ce qui vous inspire ?

© Li Chevalier – Courtesy ACA project


What do you prefer in your studio?

Que préférez-vous dans votre atelier ?

© Li Chevalier – Courtesy ACA project


What is your favorite color?

Quelle est votre couleur préférée ?

© Li Chevalier – Courtesy ACA project


Who are you?

Qui êtes-vous ?

© Li Chevalier – Courtesy ACA project