Founded in 2006 by Steven Harris, M97 gallery is a photography gallery based in Shanghai. For more than a decade, the gallery has been supporting Chinese-born artists working with the photographic medium, and is now renowned as the best gallery of its kind in China. Originally located in the famous M50 art district, M97 has set up downtown in Jing An district a year ago.
ACA project meets up with the founder and director of the gallery, Steven Harris, who shares his point of view on Chinese photography and talks about the challenges of being a gallerist in China.
What brought you to support Chinese photography?
I think it’s a bit of different paths coming together. I studied photography as my major in University, and Chinese language as a minor, just by curiosity. After one year of studying Chinese I went on a summer exchange program for two months in Beijing, and that’s when I got really hooked up to China.
At that time, in 1997-1998, the art scene was beginning in China. There I was making photos and looking to what artists were making. While I was trying to figure out on what capacity I wanted to be involved in photography, I realized I wanted to create a platform to support photography more than being a practitioner of photography myself. What we were lacking was not energy to create photography but energy to support it. The way to represent art at that time in China was a little bit messy, not so well done, the quality wasn’t so great… but the content was amazing! There was a lot of beautiful creative works coming out, popping up in few different galleries but it wasn’t systematized on its own thing.
In the early 2000s, nobody was supporting photography through a platform in China. In 2003, I started to think of a business plan to do it. There was no strategy to it, it started more with idealism, exuberance and energy. I was very much liking what I was seeing around in China, and wanted to exhibit it as it wasn’t exposed, and not even well exposed in the West
Why choosing Shanghai while the scene was more active in Beijing at that time?
It is a total coincidence. While I was looking for a gallery space in Beijing, I had the opportunity to spend some time in Shanghai and I fell in love with the city. It is really a question of feeling, an intuition based decision: as I liked living here in Shanghai more than in Beijing, I decided to do it here instead.
Shanghai was quiet compared to Beijing at that time, more independent in a way. The fact of not being part of 798 [the major art district in Beijing] allowed me to be more alternative and to do my own thing. I think there was too much expectations and pressure, and a sort of bubble in Beijing.
Why not showing Chinese photography internationally if it wasn’t so well exposed abroad?
I think there was too much to understand, to learn and experience here first. When I opened the gallery, it was before WeChat, good Internet and smartphones… Nowadays it would be easier to open something overseas, but I think in those days you had to be close to the artists, to have the right relationship and a great understanding of the work. I still feel that if I don’t know the artist, if I haven’t lived here or be here for a while, there would be uncertainty as a gallerist and a curator. The relationship between the gallerist and artist is based on trust and understanding. I think only being close to the artist and working kind of intimately, that could be accomplished. Also, I thought that a city like Shanghai needed this institution, this kind of structure, and it needed and still needs to be built here first before overseas.
You have been living in China for about 15 years: you have witnessed the development of Chinese photography; can you talk to us about it?
I think of two things: the development of Chinese photography in the Chinese context with regards to the history of Chinese photography; and the second thing is the evolution of the medium globally. These two ways are different but connected.
When we are looking at photography in China 15 years ago, it was quite early and almost pre-digital. People were still using films and making their own prints. There were different demands and opportunities back there, that lead to a more organic photographic style: for example, everyone says photography in the 1990s was all based-on photo-performance as a sort of documentation of performance art. I think around 2003-2005 with the commercial development in China of new printing technologies, large format, digital C-print machines, the use of Photoshop… that brought many possibilities for the artists.
Then, we saw that a lot of earlier creative practitioners of photography stopped making photography, particularly after 2005-2007. I think it’s for a couple of reasons, mainly because photography is a difficult medium to stay creative with. To maintain a high level of creativity in photography is extremely difficult because of the technological evolution and the technical nature of it – it is too easy to look like someone else’s work. It’s very difficult to break through yourself and innovate on your own work, and I think it’s not just a Chinese problem but a common one among photographers internationally. Chinese artist Maleonn for instance has stopped using the photographic medium because he now doesn’t know how to orient his photographic work.
This point is interesting as it reminds us how to appreciate photography. Nowadays, everyone thinks photography is super easy: we all carry a phone with a good quality camera, and have our own concept of a good photograph, we can read a picture… We are all becoming amateur photographers in the post IPhone area. Today photography is ubiquitous, we are living in a more photographic world where photography allows us to document and create a reality we want to design. Everybody can’t live without photography, it has become very close to us in human psychology and life. There is a familiarity and directness to photography that can work to its advantage and disadvantage too.
This also reminds us how difficult it is to maintain a new unique vision of photography, and I think this is what I love about the artists we work with: Huang Xiaoliang using shadows, Wang Ningde completely reinventing a way to conceptualize and construct a photograph… I think it’s this respect I have for the creativity and innovation of the artists that make me want to work with and support them.
I think that this whole reality about photography represents both a challenge and an opportunity for artists. I am still optimistic about the opportunity for the artists to communicate with society through photography. I’ve always felt photography is a mixed media: you can create with paper, digital, pure ink, iPhone, you can use antic process, you can print on wood, glass, bronze, Plexiglas, films cut-ups… I think this is the point where innovation is possible. It’s nice and good to remember the richness of photography, and that it is not only a picture took with a phone.
Your gallery is based in China, but you also show your artists in international art fairs around the world (Paris Photo, AIPAD New York…). What challenges do you face showing Chinese photography mainland and in foreign countries?
Exhibiting photography in China is a big challenge as we didn’t inherit an institution supporting photography – there is no photography department nor major photographic collection in any museum here. As we don’t have any institution to rely on here, we have to endorse this role of support. Moreover, the public here is not as confident and convinced in the medium as a contemporary art form because of historical and education reason.
Exhibiting in the West is another sort of challenge because there’s a lot of references and social elements in the Chinese works that maybe is not super clear for foreigners. If the subject is non-Chinese everyone can react to that quickly, if it’s more Chinese specific it takes a bit more time. With Huang Xiaoliang for example, public in the West don’t find a resonance, whereas here in China people are more receptive. Art fairs are difficult because as you can only show few pieces of each artist, it’s hard to create a new experience or a more complete understanding of unknown work.
How do you envision your role, your mission, as a gallerist?
I think that for any gallery the role is to help to find the work that should be seen, processed and remembered by society. Then, there is an important role of helping the artists to survive and make a living of their practice. As gallerists I think we are the frontline of helping things to be possible for the artists to keep creating work, for the public to discover and understand it, and also for society to remember these works.
People often ask me why I only represent photography. It seems strange to be a medium-specific gallery, but I think that if you really want to have a comprehension and appreciation of photography I think it is necessary. Only through that you create a focus and a reference point. I almost see the gallery as a study in a way; every new exhibition is a new challenge and brings new reflections: what is possible with photography, what is possible with Chinese artists with a current framework of photography. As we don’t have any institution supporting photography here by now, to set a framework for history of Chinese photography is one role I would like to fulfil.
Your former space used to be located at the M50 Art District in Shanghai, why did you chose to move from there to Jing An district last year?
After ten years located at the M50 Art District, I was looking for a new space that could offer me and the artists new opportunities and challenges. First, the gallery is now very close to the city centre, which is a very convenient location. Then, the building the gallery is now in, a former factory from the 40’s, offers a different kind of space. At M50 the gallery was a very typical gallery space – a white cube – and I noticed at a certain point that this was not so challenging for me as a curator, nor for the artists in terms of thinking how to conceive an exhibition and show their works. I also didn’t feel that the visitors took their time to walk from picture to picture and to experience artworks. With our new space, quite unusual, the conception and curation of each exhibition take a deeper dimension, and the visitors are invited to experience photography differently.
The gallery is composed of two spaces, one that is called “The Gallery” and the other one named “The Project Space”. What are the differences between the two spaces, are they complimentary?
“The Gallery”, on the first floor, is a more standard space. “The Project Space” on the other hand, is unusual with its composition like a corridor. Here, the artists are invited to create works specially for this space. They are challenged to think the showing of their work in a new way, and this offers them as well as the viewers new angles to experience photography. I think that today, as we are surrounded by images, the photo gallery should offer more than a succession of aligned pictures. Playing with light, space and installation, become now important to offer another way to experience photography.
You are currently presenting two exhibitions: a personal show of Lin Zhipeng, and a group show “Photosynthesis”. Could you tell us more about it?
“The Project Space” hosts Lin Zhipeng (aka No.223) solo exhibition, “223 @ M97”, which is the first solo exhibition at the gallery for the artist. Lin Zhipeng is a leading figure of new Chinese photography emerging in the last decade, popularizing his work originally via social media and other online platforms as well as his self-published zines. He has become famous for his portrayal of unconventional Chinese youth; his photographs act as a collective not-so-private diary of a young generation wishing to escape the pressures from a high-stakes society and play within its limits. The exhibition presents some 50 photographs depicting Lin’s quotidian surroundings through the prism of beauty and emotion, where faded flowers tangled with flesh tones, myriad patterns mixing with an emotional ambiguity of both love and chaos, fantasy and eroticism.
“PHOTOSYNTHESIS” is a group exhibition of 13 artists working in the photographic medium, including works by Han Lei, Dong Wensheng, Michael Wolf, Adou, Luo Dan, Lin Zhipeng (aka 223), and Jiang Zhi, as well as Lei Benben, Cai Dongdong, Shen Wei, Chu Chu, and Hisun Wong. The show aims to draw a parallel between photosynthesis and photography, two processes which essentially need light in order to grow life and shape images. The show gathers photographs celebrating the refinement and symbols of flowers and foliage in general. If Adou creates mise en scene to emphasize their pathos, Michael Wolf almost conceives a documentation on urban plants, while Han Lei explores technics to experiment three-dimensional images. All together, the artists of “PHOTOSYNTHESIS” attest the infinite possibilities of portraying flowers in photography, while alluding to floral representation throughout art history.
What are your future projects?
I look at our objectives in decades; one decade is done, we have just started the second one… We have built a strong basis and defined our mission, now I think it’s time to run the race, to understand the market better, to find out how to grow and develop. This new space in Jing An is the first step to the new challenges and opportunities the gallery is looking for.
By Lou Anmella de Montalembert, Shanghai, China, 2017
Version française :
M97 est une galerie photographique basée à Shanghai, fondée en 2006 par Steven Harris. Depuis plus d’une décennie, la galerie s’attache à soutenir les artistes nés en Chine qui travaillent avec le médium photographique. Elle est aujourd’hui reconnue comme la meilleure galerie photographique de Chine. Initialement implantée dans le célèbre quartier artistique M50, M97 a ouvert ses portes dans le centre-ville, à Jing An, l’année dernière.
ACA project a rencontré le fondateur et directeur de la galerie Steven Harris, qui partage son point de vue sur la photographie chinoise et évoque les défis à relever en tant que galeriste en Chine.
Qu’est-ce qui vous a amené à soutenir la photographie chinoise ?
Je pense que c’est dû à plusieurs éléments qui se rejoignent. J’ai suivi des études de photographie à l’université, ainsi que la langue chinoise en option, simplement par curiosité. Après un an d’étude de chinois, j’ai participé à un programme d’échange universitaire de deux mois à Pékin, et c’est à ce moment-là que je se suis vraiment tombé amoureux de la Chine.
À cette époque, en 1997-1998, la scène artistique chinoise en était à ses balbutiements. Sur place, j’y prenais des photos et observais ce que les artistes réalisaient. Alors que j’essayais de déterminer le niveau auquel je voulais être impliqué en photographie, j’ai réalisé que je souhaitais créer une plate-forme pour soutenir la photographie plutôt que d’être moi-même un praticien de la photographie. Ce qui manquait, ce n’était pas de l’énergie pour créer en photographie, mais de l’énergie pour la soutenir. La manière d’exposer l’art à cette époque en Chine était un peu désordonnée, pas très bien faite, la qualité n’était pas vraiment au rendez-vous… mais le contenu était incroyable ! Il y avait un bon nombre d’œuvres belles et créatives qui était diffusé dans quelques galeries mais ce n’était pas systématisé.
Au début des années 2000, la photographie n’était soutenue à travers aucune plate-forme en Chine. En 2003, j’ai commencé à réfléchir à un modèle pour y remédier. Je n’avais aucune stratégie derrière cette idée, elle a plutôt pris forme par idéalisme, exubérance et énergie. J’aimais beaucoup ce que je voyais en Chine et je voulais le montrer car ce n’était pas exposé, ni même pas bien exposé en Occident.
Pourquoi avoir choisi de s’installer à Shanghai alors que la scène artistique était plus active à Pékin à cette époque ?
C’est une totale coïncidence. Alors que je cherchais un espace pour la galerie à Pékin, j’ai eu l’opportunité de vivre quelques temps à Shanghai et je suis tombé amoureux de la ville. C’est vraiment une question d’impression, une décision basée sur l’intuition : comme j’ai aimé vivre à Shanghai plus qu’à Pékin, j’ai décidé d’y monter mon projet.
La scène artistique était moins active à Shanghai qu’à Pékin à cette époque, plus indépendante d’une certaine manière. Ne pas faire partie de 798 [le célèbre quartier artistique de Pékin] m’a permis d’être plus alternatif et autonome. Je pense qu’il y avait trop d’attente et de pression, et une sorte de bulle dans la capitale.
Pourquoi ne pas représenter la photographie chinoise en Occident si elle n’y était pas si bien exposée ?
Je pense qu’il y avait bien trop à comprendre, apprendre et expérimenter ici d’abord. Lorsque j’ai ouvert la galerie, c’était avant WeChat, une bonne connexion Internet et les smartphones… Aujourd’hui il serait plus facile d’ouvrir un espace à l’étranger, mais je pense qu’à l’époque il était important d’être proche des artistes, créer la juste relation et avoir une excellente compréhension de leur travail. Je continue de penser que sans connaître l’artiste, ni avoir vécu ou passé un certain temps ici, il y aurait beaucoup d’incertitude en tant que galeriste et commissaire d’expositions. La relation entre galeriste et artiste repose sur la confiance et la compréhension. Je pense que c’est seulement en étant proche de l’artiste et en travaillant de façon presque intime, que cela peut être accompli. De plus, j’estimais qu’une ville comme Shanghai avait besoin de cette institution, de ce type de structure, et il fallait et il faut toujours que ce soit construit ici avant tout autre endroit.
Vous vivez en Chine depuis 15 ans environ : vous avez assisté au développement de la photographie chinoise ; pouvez-vous nous en parler ?
Je pense à deux choses : le développement de la photographie chinoise dans le contexte chinois et en regard de l’histoire de la photographie chinoise ; et l’évolution globale du médium photographique. Ces deux sujets, bien que distincts, sont liés.
Lorsque nous observons la pratique artistique de la photographie en Chine il y a 15 ans, c’était une période assez précoce et presque pré-digitale. Les artistes utilisaient toujours des pellicules et effectuaient leurs propres tirages. Les exigences et opportunités étaient diverses à cette époque, ce qui a conduit à un style photographique plutôt organique : on entend par exemple souvent que la photographie dans les années 1990 était basée sur la photo-performance, comme une sorte de documentation sur l’art de la performance. Je pense que vers les années 2003-2005 en Chine, le développement commercial de nouvelles technologies de tirages, de grand format, de machines d’impression numérique, l’utilisation de Photoshop… ont offert de nombreuses possibilités aux artistes.
On peut remarquer que quelques années plus tard beaucoup de photographes pourtant très créatifs ont cessé d’utiliser la photographie, en particulier après 2005-2007. Je pense que cela est dû à plusieurs raisons, principalement du fait du médium photographique lui-même, avec lequel il est difficile de rester créatif. Maintenir un niveau de créativité élevé en photographie est très complexe en raison des évolutions technologiques et de la nature technique du médium – il est très facile de réaliser des images qui ressemblent à celles de quelqu’un d’autre. Il n’est pas évident de se dépasser et d’innover son propre travail, et je pense qu’il ne s’agit pas seulement d’un problème chinois, mais d’un défi commun à tous les photographes. L’artiste chinois Maleonn, par exemple, a cessé d’utiliser le médium photographique car il n’a pas trouvé comment faire évoluer son travail avec cette technique.
Ce dernier point est intéressant car il nous rappelle comment apprécier la photographie à sa juste valeur. Tout le monde aujourd’hui pense que la photographie est un médium très facile : nous possédons tous un téléphone avec un objectif de bonne qualité, avons notre propre concept de ce qu’est une bonne photographie, savons lire une photographie… Nous devenons tous des photographes amateurs à l’ère post IPhone. Aujourd’hui la photographie est omniprésente, nous vivons dans un monde très photographique où la photographie nous permet de documenter et de créer une réalité que nous voulons concevoir. Il nous est presque devenu impossible de vivre sans elle, elle est devenue très familière à la fois dans la psychologie humaine et dans notre vie quotidienne. Nous appréhendons la photographie avec une grande familiarité, ce qui peut tout aussi bien lui profiter comme jouer à son désavantage.
Cela nous rappelle aussi combien il est difficile de maintenir une vision novatrice et unique de la photographie, et je pense que c’est ce que j’aime chez les artistes avec lesquels nous travaillons : Huang Xiaoliang joue avec les ombres, Wang Ningde réinvente complètement la conceptualisation et la construction d’une image… Je pense que c’est ce respect que j’ai pour la créativité et l’innovation des artistes qui me motive à travailler avec eux et à les soutenir.
Je pense que toute cette réalité de la photographie représente à la fois un défi et une opportunité pour les artistes. Je reste optimiste quant à l’opportunité qu’ont les artistes de pouvoir communiquer avec la société à travers la photographie. J’ai toujours considéré que la photographie est un médium mixte : on peut créer avec du papier, du numérique, de l’encre pure, un iPhone, on peut utiliser un processus antique, imprimer sur du bois, du verre, du bronze, du plexiglas, des découpes de pellicules… Je pense que c’est le point où l’innovation est possible. Il est bon et important de se souvenir de la richesse de la photographie, et qu’elle ne s’arrête pas à une image capturée avec un téléphone.
Votre galerie est basée en Chine, mais vous présentez également vos artistes dans des foires d’art internationales à travers le monde (Paris Photo, AIPAD New York…). Quels sont les défis auxquels vous faites face en exposant photographie chinoise en Chine continentale et dans les pays étrangers ?
Exposer la photographie en Chine est un défi de taille car nous n’héritons d’aucune institution soutenant ce médium : il n’existe aucun musée ici ayant un département de photographie ou une collection photographique majeure. Comme nous ne disposons d’aucune institution sur laquelle nous appuyer, nous devons endosser ce rôle de soutien. Egalement, le public chinois ne porte pas une grande confiance ni conviction dans le médium comme forme d’art contemporain, pour des raisons historique et éducative.
Quant à exposer en Occident, le défi prend une autre dimension : les œuvres chinoises comportent beaucoup de références et d’éléments sociaux qui ne sont peut-être pas si évidents pour les étrangers. Si le sujet n’est pas chinois, tout le monde peut y réagir rapidement, s’il est plutôt chinois, cela prend un peu plus de temps. Avec Huang Xiaoliang par exemple, le public occidental ne trouve pas de résonance, alors qu’ici en Chine les gens sont davantage réceptifs. Les foires d’art sont d’autant plus difficiles car l’on ne peut y montrer que quelques pièces de chaque artiste ; il est donc peu aisé de créer une nouvelle expérience ou une compréhension plus complète d’un travail méconnu.
Comment envisagez-vous votre rôle, votre mission, en tant que galeriste ?
Je pense que pour toute galerie, le rôle est de dénicher l’œuvre qui doit être vue, analysée et mémorisée par la société. Ensuite, il est important d’aider les artistes à survivre et vivre de leur pratique. En tant que galeristes, je pense que nous sommes les principaux acteurs dans le soutien aux artistes afin qu’ils poursuivent leur œuvre, que le public puisse la découvrir et la comprendre, et pour que la société s’en souvienne.
On me demande souvent pourquoi je ne représente qu’un seul médium, la photographie. Il paraît étonnant d’être une galerie spécialisée dans un médium, mais je pense que si l’on souhaite vraiment avoir une compréhension et une appréciation complète de la photographie, cela est nécessaire. C’est seulement ainsi que l’on peut créer un focus et un point de référence. Je considère presque la galerie comme une forme de recherche ; chaque nouvelle exposition est un nouveau défi et apporte de nouvelles réflexions : ce qui est possible avec le médium photographique, ce qui est possible avec les artistes chinois contemporains en photographie. Comme il n’existe actuellement aucune institution qui soutienne la photographie, établir un cadre de référence pour l’histoire de la photographie chinoise est une mission que je souhaiterais accomplir.
Votre ancien espace était situé dans le quartier artistique M50 à Shanghai, pourquoi avez-vous choisi de vous installer dans le quartier de Jing An l’année dernière ?
Après dix années passées dans le quartier artistique M50, je cherchais un nouvel espace pouvant m’offrir à moi-même ainsi qu’aux artistes de nouvelles opportunités et de nouveaux défis. La galerie est désormais à proximité du centre-ville, une localisation très pratique. Aussi, le bâtiment dans lequel se situe la galerie aujourd’hui, une ancienne manufacture d’ampoules datant des années 40, offre un tout autre type d’espace. Au M50, la galerie était un lieu d’exposition très typique – un « white cube » – et j’ai fini par remarquer que ce n’était plus tellement stimulant ni pour moi en tant que commissaire, ni pour les artistes en termes de conception d’exposition et de façon de montrer leurs travaux. Je n’avais pas non plus l’impression que les visiteurs prenaient le temps de se déplacer d’une image à l’autre et d’expérimenter les œuvres. Avec notre nouvel espace, peu habituel, la conception de chaque exposition prend une dimension plus profonde, et les visiteurs sont invités à découvrir la photographie différemment.
La galerie est composée de deux espaces, l’un appelé « The Gallery » et l’autre nommé « The Project Space ». Quelles sont les différences entre les deux espaces, sont-ils complémentaires ?
« The Gallery », au rez-de-chaussée, est un espace plus standard. «The Project Space» en revanche est atypique avec sa composition semblable à un corridor. Les artistes sont invités à créer des œuvres spécialement pour cet espace. Ils sont mis au défi de penser l’exposition de leur travail d’une manière nouvelle, et cela offre également aux spectateurs de nouveaux angles pour expérimenter la photographie. Je pense qu’aujourd’hui, alors que nous vivons dans un monde submergé d’images, une galerie photographique devrait offrir plus qu’une succession d’images alignées. Jouer avec la lumière, l’espace et l’installation, devient désormais primordial pour offrir une autre façon d’appréhender la photographie.
Vous présentez actuellement deux expositions : une personnelle de Lin Zhipeng et une de groupe « Photosynthesis ». Pourriez-vous nous les présenter ?
« The Project Space » accueille l’exposition personnelle de Lin Zhipeng (aka No.223), « 223 @ M97 », qui est la première exposition individuelle de l’artiste à la galerie. Lin Zhipeng est l’une des figures de proue de la nouvelle photographie chinoise ayant émergé au cours de la dernière décennie. Son travail est devenu populaire par le biais des réseaux sociaux et d’autres plateformes en ligne, ainsi que des magazines auto-publiés. Il est devenu célèbre pour sa représentation de la jeunesse chinoise non conventionnelle ; ses photographies agissent comme le journal public collectif d’une jeune génération qui souhaite échapper aux pressions d’une société aux hautes exigences et jouer avec ses limites. L’exposition présente quelques 50 photographies représentant l’environnement quotidien de Lin vu à travers le prisme de la beauté et de l’émotion, où les fleurs fanées s’emmêlent aux tons de la chair, une myriade de motifs se fond dans l’ambiguïté émotionnelle de l’amour et du chaos, de la fantaisie et de l’érotisme.
Quant à « PHOTOSYNTHESIS », il s’agit d’une exposition collective de 13 artistes travaillant le médium photographique, avec des œuvres de Han Lei, Dong Wensheng, Michael Wolf, Adou, Luo Dan, Lin Zhipeng (aka 223) et Jiang Zhi, ainsi que de Lei Benben, Cai Dongdong, Shen Wei, Chu Chu et Hisun Wong. L’exposition tente de dresser un parallèle entre la photosynthèse et la photographie, deux procédés qui ont essentiellement besoin de lumière ; soit pour créer la vie, soit pour façonner des images. L’exposition rassemble des photographies célébrant le raffinement et les symboles des fleurs et du feuillage en général. Si Adou crée une mise en scène pour souligner leur pathos, Michael Wolf conçoit presque une documentation sur les plantes urbaines, tandis que Han Lei explore la technique pour élaborer des images tridimensionnelles. Tous ensemble, les artistes de « PHOTOSYNTHESIS » témoignent des possibilités infinies de représenter les fleurs en photographie, tout en s’inscrivant dans la continuité de la représentation florale en histoire de l’art.
Quels sont vos futurs projets ?
Je conçois nos objectifs sur des périodes de dix ans ; une décennie s’est achevée, nous venons de commencer la deuxième… Nous avons construit une base solide et avons défini notre mission, maintenant je pense qu’il est temps d’entrer véritablement dans le jeu, de mieux comprendre le marché, de découvrir comment grandir et se développer. Ce nouvel espace à Jing An symbolise la première étape des nouveaux défis et opportunités que la galerie recherche.
Par Lou Anmella de Montalembert, Shanghai, Chine, 2017