by Alain Zedrick Camiling
After graduating with an Outstanding Thesis and the Gawad Tanglaw Awards from the University of the Philippines Diliman College of Bachelor of Fine Arts’ Studio Arts Program in 2014, Manila-based artist-curator Pam Quinto has participated in myriad exhibitions and notable initiatives and projects across the Philippine contemporary art scene. Her current solo exhibition, lonely is the room, curated by Carlos Quijon Jr., was on display at Gravity Art Space in Quezon City, Philippines until May 2022. In this interview, we had a fruitful conversation with Quinto on her recent musings, experiences, and takeaways which shape her budding practice as an artist and curator.
Après avoir été diplômée d’une thèse avec mention Très honorable avec félicitations et reçu les prix Gawad Tanglaw du « Bachelor of Fine Arts Studio Arts Program » du Diliman College of Fine Arts de l’Université des Philippines en 2014, l’artiste et commissaire Pam Quinto, basée à Manille, a participé à une myriade d’expositions, d’initiatives et de projets notables à travers la scène artistique contemporaine des Philippines. Sa récente exposition personnelle, « lonely is the room », organisée par Carlos Quijon Jr., a été présentée au Gravity Art Space à Quezon City, Philippines en mai 2022. Cet entretien avec ACA project relate une conversation fructueuse avec Quinto sur ses récentes réflexions, expériences et points-clés qui façonnent sa pratique naissante en tant qu’artiste et commissaire.
ACA project: In 2014, you received the Outstanding Thesis and the Gawad Tanglaw awards for her undergraduate thesis graduating with a Fine Arts (Studio Arts) degree from the University of the Philippines. Can you share with us what was your thesis about, and would you say it still resonates in your current body of work?
Pam Quinto: My thesis delved on depression and my own experience of being in a family with a history of mental illness. Engaging Depressive Disengagement was an installation comprised of a raw clay bed with an indentation of a sleeping body, installed in a dark room, with accompanying audio recordings of my dad’s ramblings during his manic or depressed states. At that time, the subject was still quite taboo and I felt compelled to articulate my personal experiences, not just what it feels like on the inside, but what it’s like to be a witness.
I continued to explore inherited trauma and illness through a project that documented my dad and my sister whenever they became somnolent in their depressive states; over the span of 5 years, I collected photos of them sleeping. I wanted to capture those vulnerable states. Being behind the camera also somehow lent me this sense of control (or the illusion of it) while in the midst of situations that were really beyond my control.
I took the last images of the series in 2019, wherein my dad was sleeping in a pose that reminded me so much of Jacques-Louis David’s The Death of Marat. I thought it embodied the death of the self and a sense of loss, that sense of losing someone to mental illness, that I had been trying to capture all those years.
I suppose my thesis created this ripple of diaristic tendencies and inclinations towards exploring vulnerability and intimacy.
I do plan to revisit inherited trauma in future projects, but I’m not yet sure when I’ll be ready to release them. I definitely need to take some time to process them.
ACA project : En 2014, vous avez reçu la mention Très honorable avec félicitations et le prix Gawad Tanglaw pour votre thèse de premier cycle et votre diplôme des Beaux-Arts de l’Université des Philippines. Pouvez-vous nous dire sur quoi portait votre thèse et diriez-vous qu’elle résonne encore dans votre travail actuel ?
Pam Quinto : Ma thèse portait sur la dépression et sur ma propre expérience d’avoir grandi dans une famille ayant des antécédents de maladie mentale. « Engaging Depressive Disengagement » était une installation composée d’un lit d’argile brute avec une indentation d’un corps endormi, installé dans une pièce sombre, accompagné d’enregistrements audio des divagations de mon père pendant ses états maniaques ou dépressifs. À cette époque, le sujet était encore assez tabou et je me sentais obligé d’articuler mes expériences personnelles, pas seulement les émotions intérieures, mais ce que c’est que d’être un témoin.
J’ai continué à explorer les traumatismes et les maladies héréditaires grâce à un projet qui documentait mon père et ma sœur chaque fois qu’ils devenaient somnolents dans leurs états dépressifs ; pendant 5 ans, j’ai collecté des photos d’eux en train de dormir. Je voulais capturer ces états vulnérables. Être derrière la caméra m’a aussi donné ce sentiment de contrôle (ou l’illusion de celui-ci) au milieu de situations qui échappaient vraiment à mon contrôle.
J’ai pris les dernières images de la série en 2019, où mon père dormait dans une pose qui me rappelait fortement « La Mort de Marat » de Jacques-Louis David. Je pensais que cela incarnait la mort de soi et un sentiment de perte, ce sentiment de perdre quelqu’un à cause de la maladie mentale, que j’avais essayé de capturer toutes ces années.
Je suppose que ma thèse a créé cette tendance aux récits intimes quotidiens et cette inclination à explorer la vulnérabilité et l’intimité.
Je prévois de revisiter les traumatismes hérités dans de futurs projets, mais je ne sais pas encore quand je serai prête. J’ai vraiment besoin de prendre du temps pour les traiter.
Pam, I see your process and practice as both prolific, diverse, perhaps in a constant state of remaking through myriad articulations across disciplines. Being artist engaging in curatorial gestures through your alternative exhibition modality, Parcel Exhibitions, can you walk us through how you integrate / merge / marry / complement both process / practice as artist and curator?
Even before I ventured into curating, as an artist the phenomenology of the work/s and the choreography between the work/s and the audience are things that I always consider whenever I develop a project. This stems from an inclination towards the tactile, an inclination to form a sense of intimacy. How the work is encountered, what could it possibly tap into with each encounter are things that I always take into account. I would even invite audiences to participate or interact with some projects or extend the stewardship or activation of the work to the gallery. I’m quite mindful about the materiality and process of creating each work, in that I always try to consider which medium, process, and gestures would best serve a particular concept. I find that there’s a certain consciousness that can be derived when you’re aware of why you’re undertaking a particular process. What would it mean if you destroy or manipulate an object, or if the work changes over time? What would it mean if you create a living sculpture, something that would need tending to? Materials and processes are rarely a means to an end.
All these carry over to my curatorial approach in Parcel Exhibitions, to cultivate and encourage prolific sensibilities in the artists that I collaborate with. I usually prompt each Parcel project with an invitation to explore unfurling gestures, to make use of the intimacy of the home or space outside the white cube, and to extend an open invitation for the viewers to become activators of the exhibition, even co-authors or collaborators. I find it interesting to explore what behaviors each viewer might have, given the mutability or possibility for multiple permutations of each Parcel exhibition.
Pam, je constate que votre processus et votre pratique sont à la fois prolifiques et diversifiés, dans un état constant de refonte à travers de multiples articulations entre les disciplines. En tant qu’artiste engagée dans des pratiques curatoriales alternatives, notamment avec votre exposition « Parcel Exhibitions » (Expositions Colis), pouvez-vous nous expliquer comment vous intégrez / fusionnez / mariez / complétez à la fois le processus / la pratique en tant qu’artiste et commissaire ?
Même avant de m’aventurer dans le commissariat d’expositions, en tant qu’artiste, la phénoménologie de l’œuvre et la chorégraphie entre l’œuvre et le public sont des aspects que je considère chaque fois que je développe un projet. Cela découle d’une inclination vers le tangible, une inclination à former un sentiment d’intimité. Comment l’œuvre est-elle rencontrée, que peut-elle provoquer à chaque rencontre sont des questionnements que je prends toujours en compte. J’invite même le public à participer ou à interagir avec certains projets ou à étendre l’intendance ou l’activation de l’œuvre à la galerie. Je suis très attentive à la matérialité et au processus de création de chaque œuvre, dans la mesure où j’essaie toujours de réfléchir au médium, au processus et aux gestes qui serviraient le mieux un concept particulier. Je trouve qu’il y a une certaine conscience qui peut s’extraire lorsque vous savez pourquoi vous entreprenez un processus spécifique. Qu’est-ce que cela signifierait si vous détruisiez ou manipuliez un objet, ou si le travail évoluait avec le temps ? Qu’est-ce que cela signifierait si vous créiez une sculpture vivante, qui aurait besoin d’être entretenue ? Les matériaux et les processus sont rarement un moyen d’atteindre une fin.
Tout cela se répercute sur mon approche curatoriale dans les « Parcel Exhibitions », pour cultiver et encourager les sensibilités et la productivité des artistes avec lesquels je collabore. Pour chaque projet Parcel j’invite généralement à explorer des gestes de déploiement, à utiliser l’intimité de la maison ou de l’espace hors du white cube, et à inviter ouvertement les spectateurs à devenir des activateurs de l’exposition, voire des co-auteurs ou collaborateurs. Je trouve intéressant d’explorer les comportements que chaque spectateur pourrait avoir, compte tenu de la mutabilité ou de la possibilité de multiples permutations de chaque « Parcel Exhibition ».
In relation to Parcel Exhibitions, can you share with us how you sustain the exhibition modality? Are you looking into forging partnerships in its future iterations? In terms of programming and collaborations, are you eyeing specific themes / interests / entities?
I’m honestly still navigating how to make Parcel Exhibitions more self sustainable. I had very little resources when I started this modality, but to kick it off I only really needed to spend for the container for the exhibition, printed materials, and sanitary kits. I’m grateful for all the artists and viewers who generously took the leap with me in exploring this modality. Parcel doesn’t charge any viewing fees, but we do request that viewers cover the courier fee when the exhibition is delivered to them. To minimize courier fees, after viewers fill up a mailing list for an upcoming exhibition, I usually map out delivery routes according to the proximity of each viewer’s address.
For the P.S. exhibition last year, I was able to find a sponsor for the project, so I got to provide production fees for the artists. And luckily, my application for a Para Site No Exit grant was accepted recently, so I’m now able to invite and fund other curators and artists to collaborate with Parcel this year.
I’ve always felt that Parcel Exhibitions is bigger than me, that it’s kind of its own separate entity and I’m merely its steward. It was meant to be shared, meant for collaborations. That’s why I launched an open call last year for project proposals so that other artists / curators could also explore other possibilities for this modality. I’ll also be collaborating with 98B and Eya Beldia for an upcoming project.
In terms of programming, I’m drawn to artists/collaborators who have prolific practices or have the potential to form a prolific practice, people who are open minded and flexible when exploring various possibilities in executing a project. I also make it a point to include young / emerging artists in each project, alongside experienced artists, as an opportunity for them to further develop their practice and learn from other artists. Developing a Parcel project is really a collaborative effort wherein we all engage in discussions and learn from each other, I give artists a lot of freedom to play and explore and respond to each other. I’m interested in concepts that invite participation and/or mutability, that make use of the intimacy of this modality. Technological innovations have allowed us to continue conversations on the virtual plane during the pandemic, but how can we maintain palpable intimacies? Being the tactile creatures that we are, how might we address the disembodiedness of the virtual?
En ce qui concerne ces « Parcel Exhibitions », pouvez-vous partager avec nous comment vous soutenez la production de l’exposition ? Envisagez-vous de nouer des partenariats dans ses futures itérations ? En termes de programmation et de collaborations, visez-vous des thèmes / intérêts / entités spécifiques ?
Honnêtement, je cherche toujours à rendre les « Parcel Exhibitions » plus autonomes. J’avais très peu de ressources lorsque j’ai commencé ce projet, mais pour le lancer, je n’avais vraiment besoin de dépenser que pour le lieu de l’exposition, les imprimés et les kits sanitaires. Je suis reconnaissante envers tous les artistes et spectateurs qui ont généreusement sauté le pas avec moi en explorant ce projet. Parcel ne facture aucun frais de visite, mais nous demandons aux spectateurs de couvrir les frais de coursier lorsque l’exposition leur est livrée. Pour minimiser les frais de coursier, après que les spectateurs aient communiqué leurs coordonnées pour une prochaine exposition, je trace généralement les itinéraires de livraison en fonction de la proximité des adresses entre chaque spectateur.
Pour l’exposition P.S. l’année dernière, j’ai pu trouver un sponsor pour le projet, j’ai donc pu fournir des cachets de production aux artistes. Et heureusement, ma demande de subvention Para Site No Exit a été acceptée récemment, je suis donc maintenant en mesure d’inviter et de financer d’autres commissaires et artistes pour collaborer sur « Parcel » cette année.
J’ai toujours pensé que « Parcel Exhibitions » est un projet plus grand que moi, qu’il s’agit d’une sorte d’entité distincte dont je ne suis que l’intendante. Il était destiné à être partagé, destiné à des collaborations. C’est pourquoi j’ai lancé l’année dernière un appel ouvert à propositions de projets afin que d’autres artistes/commissaires puissent également explorer d’autres possibilités pour ce projet. Je vais également collaborer avec 98B et Eya Beldia pour un projet à venir.
En termes de programmation, je suis attirée par les artistes/collaborateurs qui ont des pratiques prolifiques ou qui en ont le potentiel, des personnes ouvertes d’esprit et flexibles lorsqu’elles explorent diverses possibilités dans l’exécution d’un projet. Je mets également un point d’honneur à inclure des artistes jeunes / émergents dans chaque projet, aux côtés d’artistes expérimentés, comme une opportunité pour eux de développer davantage leur pratique et d’apprendre des autres artistes. Développer un projet « Parcel » est vraiment un effort de collaboration dans lequel nous nous engageons tous dans des discussions et apprenons les uns des autres, je donne aux artistes beaucoup de liberté pour jouer, explorer et se répondre les uns les autres. Je m’intéresse aux concepts qui invitent à la participation et/ou à la mutabilité, qui exploitent l’intimité de cette modalité. Les innovations technologiques nous ont permis de poursuivre les conversations sur le plan virtuel pendant la pandémie, mais comment maintenir des intimités palpables ? Étant les créatures tactiles que nous sommes, comment aborder la désincarnation du virtuel ?
You have been part of various group exhibitions and collaborative gestures. How do these shape your trajectory and practice? For instance, what are often-encountered concerns, nuances, or issues in these collaborations? You have also participated in notable contemporary exhibitions with esteemed individuals and entities. Are there notable ones who have helped you or have been helping you further what you do both as artist and curator?
I find conversations to be integral in shaping my trajectory and practice, both outside of projects and within collaborations. I love the spontaneity and fecundity in generating new ideas through shared knowledge and mythos with fellow artists, curators, and writers. Like when I was toying with the idea for Parcel Exhibitions, I was able to flesh it out during random conversations with Jed Gregorio about Duchamp’s Box in a Valise and The Bride Stripped Bare by her Bachelors Even (The Green Box).
I have this tendency to resist rigid self mastery, to keep myself receptive to other possibilities in creating and thinking. I try be open to new ideas that come along with each project and each discussion. I’ll usually have an initial idea in response to a given prompt, but it may morph into something else as the group fleshes out the exhibition so that my work/s also have a conversation or intersection with the other artists’ works. I think one of the advantages of having an interdisciplinary and mutable practice is that you have a lot more options in developing a work that is materially or conceptually sound, so you’re able to adapt and respond to the other artists you’re collaborating with. Yet no matter how varied the materials or concepts, my inclinations towards vulnerability, intimacy, and tactility are recurring factors in my practice that still come into play.
One of the group exhibitions I really enjoyed participating in was Dream Sequence with Celine Lee, Miguel Lorenzo Uy, Jed Gregorio, and Wipo. I think one of the reasons why the show turned out well was because we had this mutual admiration and understanding of each other’s practice. There’s more ease and joy in building a show when you’re collaborating with friends. And that show birthed the idea for Head in the Clouds, one of the main pieces in my first solo show, Tender Hours.
Errant Life, Promiscuous Form is another group exhibition that I really enjoyed as well. It was curated by Carlos Quijon Jr.. I love how the concept of the life and afterlife of forms and materials all manifested in so many ways, and yet the works intersected with one another. It was one of those projects where I found the prompt just perfect for ideas that I had been keeping in my back pocket. I had been wanting to create a living sculpture like Longing Vessel, and to explore the idea of limbic bonding through the process of repeated surface material transference.
Working with Carlos overall has been pivotal in my growth as an artist and curator. I appreciate how he builds relationships with the artists he works with, as well as the challenges he brings into every project. As an independent curator, he understands the importance of cultivating relationships with independent artists when we often do project-based works. Having recurring collaborators helps in understanding and articulating your practice better and seeing other possible trajectories. With every new project we get to explore how to further push and expand our respective practices. On the road to venturing into curating, I learned so much from him in seeing firsthand the ardent care that goes into choosing artists to collaborate with for a particular project, the importance of understanding each artist’s practice, and foreseeing possible trajectories and intersections among the artists.
Vous avez participé à diverses expositions collectives et projets collaboratifs. Comment ceux-ci façonnent-ils votre trajectoire et votre pratique ? Par exemple, quelles sont les préoccupations, les subtilités ou les problèmes souvent rencontrés dans ces collaborations ? Vous avez également participé à des expositions contemporaines avec des personnes et des entités notables. Y a-t-il des personnes importantes qui vous ont aidé ou vous ont aidé à faire avancer ce que vous faites à la fois en tant qu’artiste et commissaire ?
Je trouve que les conversations font partie intégrante de la formation de ma trajectoire et de ma pratique, à la fois en dehors des projets et au sein des collaborations. J’aime la spontanéité et la fécondité dans la génération de nouvelles idées grâce au partage de connaissances et de mythes avec d’autres artistes, commissaires et écrivains. Comme lorsque j’envisageais l’idée de « Parcel Exhibitions », j’ai pu l’étoffer lors de conversations aléatoires avec Jed Gregorio à propos des oeuvres de Marcel Duchamp « La-Boîte-en-valise » et « La Mariée mise à nue par ses célibataires » (Le Grand Verre).
J’ai cette tendance à résister à une maîtrise de soi rigide, à rester réceptive à d’autres possibilités de création et de réflexion. J’essaie d’être ouverte aux nouvelles idées qui accompagnent chaque projet et chaque discussion. J’ai généralement une idée initiale en réponse à un sujet donné, mais elle peut se transformer en quelque chose d’autre au fur et à mesure que le groupe étoffe l’exposition afin que mes travaux aient également une conversation ou une intersection avec les œuvres des autres artistes. Je pense que l’un des avantages d’avoir une pratique interdisciplinaire et mutable est que vous avez beaucoup plus d’options pour développer une œuvre matériellement ou conceptuellement solide, vous êtes donc capable de vous adapter et de répondre aux autres artistes avec lesquels vous collaborez. Pourtant, peu importe la variété des matériaux ou des concepts, mes penchants pour la vulnérabilité, l’intimité et la tangibilité sont des facteurs récurrents dans ma pratique qui entrent toujours en jeu.
L’une des expositions collectives auxquelles j’ai beaucoup aimé participer était « Dream Sequence » avec Celine Lee, Miguel Lorenzo Uy, Jed Gregorio et Wipo. Je pense que l’une des raisons pour lesquelles l’exposition s’est bien passée est que nous avions cette admiration et cette compréhension mutuelles de la pratique de l’autre. Il y a plus de facilité et de joie à créer une exposition lorsque vous collaborez avec des amis. Et cette exposition a donné naissance à l’idée de « Head in the Clouds », l’une des pièces principales de ma première exposition personnelle, « Tender Hours ».
« Errant Life, Promiscuous Form » est une autre exposition de groupe que j’ai également beaucoup appréciée. Elle a été organisée par Carlos Quijon Jr.. J’aime la façon dont le concept de la vie et de l’au-delà des formes et des matériaux se manifeste de tant de façons, et pourtant les œuvres se croisent. C’était l’un de ces projets où j’ai trouvé la forme parfaite pour les idées que je gardais dans un coin de ma tête. J’avais voulu créer une sculpture vivante comme « Longing Vessel » et explorer l’idée de la liaison à travers le processus de transfert répété de matériaux.
Travailler avec Carlos dans l’ensemble a été essentiel dans ma croissance en tant qu’artiste et commissaire. J’apprécie la façon dont il construit ses relations avec les artistes avec qui il travaille, ainsi que les défis qu’il apporte à chaque projet. En tant que commissaire indépendant, il comprend l’importance de cultiver des relations avec des artistes indépendants lorsque nous réalisons souvent des travaux basés sur des projets. Avoir des collaborateurs récurrents permet de mieux comprendre et articuler sa pratique et de voir d’autres trajectoires possibles. Avec chaque nouveau projet, nous explorons comment pousser et étendre nos pratiques respectives. Sur la route du commissariat, j’ai tellement appris de lui en voyant le soin et la passion pour choisir les artistes avec qui collaborer pour un projet particulier, l’importance de comprendre la pratique de chaque artiste et de prévoir les trajectoires et les intersections possibles entre les artistes.
You’ve recently participated in Artists for Artists Masterclass. Can you share with us your main takeaways from the program?
The theme for the batch I participated in was Institutional Collapse. It was comprised of artists and curators with intersectional approaches who are engaged in movements / projects outside of institutions or in collaborations in the wake of institutional collapse. It was such an enriching experience, there’s so much from my notes that I wish I could share. But here are some of my main takeaways from the program:
Being contemporary artists is to be constantly evolving; and intersectional approaches can tease out different points of connection. We are occupying a delicate and unique position to tap into all these different disciplines and frameworks that enable us to cultivate interconnectivity and inclusivity, that enable us to design safe and convivial spaces for each other and generate movements of collective care. When systems fall apart, there are exciting things that emerge from the cracks. In the face of crisis, new forms of care are discovered—focusing on feeling and working with others, rather than for others; and operating with a mindset of abundance and generosity rather than scarcity, as a way of building capacity. I learned that care can be radical.
Some of the things that resonated with me in Noah Fischer’s lecture was discovering and exploring the museum inside yourself; how having a spiritual / internal practice can instill a sense of independence, in that you’re able to retain your core and guide yourself because you’re less reliant on validations from institutions. Comradeship, friendship solidarity—inside these relations one can hold the seeds of movement. And an anecdote from his lecture that stuck with me was about the time when he found himself entering a gallery after being away from institutions for quite some time. Being confronted with the image or space of the white cube again, he started to laugh, as he realized “that the emperor has no clothes.” All he saw was the money and the power in the space; and the idea that institutions would save artists from shame was losing its grip.
For the workshop proper, Noah was also my group’s advising artist; while 2nanas, Jen Valender, Mohamed Dassouki, and Danielle Zorbas were my peers in the group. Noah pointed out a correlation between my ceramics practice and curatorial practice through Parcel Exhibitions that I hadn’t previously noticed, which is this inclination towards the tactile.
Vivien Sansour’s lecture moved me so much that at some points I got teary eyed. She’s the Seed Queen of Palestine, the founder of the Palestinian Heirloom Seed Library. So much of what she discussed resonated with me, like the erasure of important aspects in the culture of the oppressed. It reminded me so much of our own history in the Philippines, the centuries of colonial injustice. I was in awe of how one can begin from a very painful place, of one’s reality being changed and destroyed, and yet one can still manage dare to imagine something new about the future of our lives, dare to transform our reality into something better. She found lessons in resilience from ancient plants that have been forgotten or abandoned (such as the Babylonian wheat, Abu Samra). It’s inspiring to see how she reclaims and preserves history, mythos, and culture through her various projects.
Some of my favorite excerpts from her lecture were:
“What does it mean to forget things that were once important? What does it mean to not want what or who we are? We’ve been fed so much bull**** about how we’re worth nothing. Our agency lives within the stories we tell ourselves and the stories we tell each other.”
Vous avez récemment participé à Artists for Artists Masterclass. Pouvez-vous partager avec nous les principaux enseignements que vous avez tiré de ce programme ?
Le thème du groupe auquel j’ai participé était l’effondrement institutionnel. Il était composé d’artistes et de commissaires aux approches intersectionnelles qui sont engagés dans des mouvements/projets en dehors des institutions ou dans des collaborations dans le sillage de l’effondrement institutionnel. Ce fut une expérience tellement enrichissante, il y a tellement de choses dans mes notes que j’aimerais pouvoir partager. Mais voici quelques-uns des principaux points clés du programme :
Être des artistes contemporains, c’est être en constante évolution ; et les approches intersectionnelles peuvent démêler différents points de connexion. Nous occupons une position délicate et unique pour puiser dans toutes ces différentes disciplines et cadres qui nous permettent de cultiver l’interconnectivité et l’inclusivité, qui nous permettent de concevoir des espaces sûrs et conviviaux les uns pour les autres et de générer des mouvements de soutien collectifs. Lorsque les systèmes s’effondrent, des choses passionnantes émergent des fissures. Face à la crise, de nouvelles formes de solidarité sont découvertes – se concentrant sur le ressenti et le travail avec les autres, plutôt que pour les autres ; et fonctionner avec un état d’esprit d’abondance et de générosité plutôt que de manque, comme moyen de renforcer les capacités. J’ai appris que la solidarité peut être radicale.
Ce qui a résonné en moi dans la conférence donnée par Noah Fischer a été de découvrir et d’explorer le musée à l’intérieur de moi-même ; comment avoir une pratique spirituelle / intérieure peut insuffler un sentiment d’indépendance, en ce sens que l’on est capable d’engager notre cœur et de se guider parce que l’on est moins dépendant des validations des institutions. La camaraderie, l’amitié, la solidarité, à l’intérieur de ces relations se trouvent les germes du mouvement. Et une anecdote de sa conférence qui m’est restée à l’esprit concerne le moment où il s’est retrouvé à entrer dans une galerie après avoir été éloigné des institutions pendant un certain temps. Confronté à nouveau à l’image ou à l’espace du white cube, il s’est mis à rire en réalisant « que l’empereur n’a pas de vêtements ». Tout ce qu’il voyait, c’était l’argent et le pouvoir dans l’espace ; et l’idée que les institutions sauveraient les artistes de la honte perdait de son ampleur.
Pour l’atelier proprement dit, Noah était aussi l’artiste conseiller de mon groupe; tandis que 2nanas, Jen Valender, Mohamed Dassouki et Danielle Zorbas étaient mes pairs dans le groupe. Noah a souligné une corrélation entre ma pratique de la céramique et ma pratique curatoriale à travers les Parcels Exhibitions que je n’avais pas remarquées auparavant, qui est cette inclinaison vers le tactile.
La conférence de Vivien Sansour m’a tellement émue qu’à certains moments j’en ai eu les larmes aux yeux. Elle est la Seed Queen of Palestine, la fondatrice de la Palestinian Heirloom Seed Library. Une grande partie de ce dont elle a parlé m’a touché, comme l’effacement d’aspects importants de la culture des opprimés. Cela m’a tellement rappelé notre propre histoire aux Philippines, les siècles d’injustice coloniale. J’étais en admiration devant la façon dont on peut commencer à partir d’un endroit très douloureux, sa réalité étant changée et détruite, et pourtant on peut encore réussir à oser imaginer quelque chose de nouveau sur l’avenir de nos vies, oser transformer notre réalité en quelque chose de mieux. Elle a trouvé des leçons de résilience auprès de plantes anciennes oubliées ou abandonnées (comme le blé babylonien, Abu Samra). C’est inspirant de voir comment elle récupère et préserve l’histoire, les mythes et la culture à travers ses divers projets.
Certains de mes extraits préférés de sa conférence étaient:
« Qu’est-ce que cela signifie d’oublier des choses qui étaient autrefois importantes ? Que signifie ne pas vouloir quoi ou qui nous sommes ? Nous avons été nourris de tellement de m**** sur le fait que nous ne valons rien. Notre pouvoir d’action réside dans les histoires que nous nous racontons à nous-même et les histoires que nous racontons aux autres. »
Would you have any specific observations, perhaps realizations related to arts, culture, and the market for the past two years of the pandemic?
Although it was incredibly difficult for us all to cope, at times even uncertain if we could even continue working in this field, when it seemed an almost Sisyphean feat to make anything; it’s amazing to see how people have adapted and found new avenues to create and sustain connections and discourses. In a way, we were forced to reflect and rethink these systems and structures that we operate in—how did they serve us or how they weren’t truly serving us. The increasingly palpable precariousness of working in the arts highlighted the importance of community and collective care, especially in navigating crisis. There was this movement away from individualistic egos and motivations, away from competitiveness; and a movement towards cultivating avenues for interconnectivity and the sharing of knowledge and opportunities instead. It brought about collective investigations on possible solutions to immobility and disconnection, collaborating in the wake of institutional collapse rather than merely continuing to operate as “individual geniuses.”
The scarcity in opportunity and resources compelled artists, curators, writers, and other cultural workers to create opportunities for each other. Load na Dito has continued to thrive as a collective repository of learning—exemplifying the importance of sustaining vitality through discourse. So many alternative platforms and projects, safe and convivial spaces bloomed outside of major institutions, like Gravity Art Space, Emerging Islands, Golden Cargo Gallery to name a few, and there were a lot of fundraising exhibitions were formed. The pandemic prompted a lot of people to think beyond and challenge the exhibition formats we have grown accustomed to or have been conditioned to accept as the only avenues for sharing works.
A lot of us also realized the need to pause, the need for slower and more mindful / comfortable ways of operating or producing. The pandemic prompted me to rethink performative or output-based productivity and pandering to the attention economy. We all feel pressure to produce, and we can take time to step back.
Auriez-vous des observations précises sur, par exemple, des prises de conscience liées aux arts, à la culture et au marché au cours des deux dernières années de pandémie ?
Bien qu’il ait été très difficile pour nous tous de s’en sortir, parfois même de vivre dans l’incertitude de savoir ou non si nous pouvions continuer à travailler dans ce domaine, alors que cela semblait un exploit presque sisyphéen de faire quoi que ce soit ; c’est incroyable de voir comment chacun s’est adapté et a trouvé de nouvelles voies pour créer et maintenir des liens et des discours. D’une certaine manière, nous avons été obligés de réfléchir et de repenser ces systèmes et structures dans lesquels nous opérons – comment nous servaient-ils ou comment ils ne nous servaient pas vraiment. La précarité de plus en plus palpable du travail dans les arts a mis en évidence l’importance de la solidarité communautaire et collective, en particulier pour traverser la crise. Il y a eu ce mouvement loin des ego et des motivations individualistes, loin de la compétitivité ; et un mouvement vers la croissance de chemins d’interconnectivité et le partage des connaissances et des opportunités. Cela a provoqué des enquêtes collectives sur les solutions possibles à l’immobilité et à la déconnexion, le choix de collaborations suite à l’effondrement institutionnel plutôt que de simplement continuer à fonctionner comme des « génies individuels ».
La rareté des opportunités et des ressources a obligé les artistes, les commissaires, les écrivains et les autres professionnels de la culture à créer des opportunités les uns pour les autres. Load na Dito a continué à prospérer en tant que référentiel collectif d’apprentissage, illustrant l’importance de maintenir la vitalité par le discours. Tant de plateformes et de projets alternatifs, d’espaces sûrs et conviviaux ont fleuri en dehors des grandes institutions, comme Gravity Art Space, Emerging Islands, Golden Cargo Gallery pour n’en citer que quelques-uns, et de nombreuses expositions de collecte de fonds se sont formées. La pandémie a incité beaucoup de gens à penser plus loin et à remettre en question les formats d’exposition auxquels nous nous sommes habitués ou que nous avons été conditionnés à accepter comme les seules voies de partage des œuvres.
Beaucoup d’entre nous ont également réalisé le besoin de faire une pause, le besoin de modes de fonctionnement ou de production plus lents et plus conscients / confortables. La pandémie m’a incité à repenser la productivité performative ou basée sur les résultats et à me plier à l’économie de l’attention. Nous ressentons tous la pression de produire et nous pouvons prendre du temps pour prendre du recul.
