For our 5th anniversary, we contacted Leeza Ahmady, Director of Asia Contemporary Art Forum (ACAF), to share with us her point of view on the art scene from Asia.

ACA project: Could you introduce yourself and tell us how you are related to the contemporary art scene from Asia?

Leeza Ahmady: Hello, my name is Leeza Ahmady. I was born and raised in Kabul, Afghanistan and I have been based in New York (USA) since I was a young teenager. 

I direct Asia Contemporary Art Forum (ACAF), formerly known as Asia Contemporary Art Week, (ACAW), a curatorial and educational platform founded in 2001. ACAF connects leading New York and Asia based galleries and museums in citywide public programs composed of cutting edge exhibitions, provocative dialogues, screenings, and performances. The platform forefronts the broad spectrum of artworks produced by contemporary artists working across all regions of Asia as well as Asia-diaspora artists based around the world. 

Previously I directed AhmadyArts, an independent curatorial and arts advisory practice working to exhibit, contextualize and advocate the work of artists through exhibitions, collections-building academic pursuits, professional development workshops and critical writing. I have been recognized for my foundational research and exhibitions focusing on the artists and history of art in Central Asia (Afghanistan, Kyrgyzstan, Uzbekistan, Kazakhstan, and Tajikistan).

ACA project: According to you, what are the characteristics and specificities of this scene?  

Leeza Ahmady: When I started the “FIELD MEETING” program in 2014 as a signature program of Asia Contemporary Art Week, the idea was to emulate the experience of a studio visit but on a communal scale. I decided early on not to use the term Asian when thinking about art from Asia. I prefer to distinguish concepts of nationality or nationhood from that of a continental philosophical, cultural and intellectual state of mind. In fact before we delve into the idea of an art scene, I like to share my thoughts on my personal professional practice. Namely that for many years, I had been thinking about how can I exhibit the energy of the artists rather than the objects they make? How can we showcase their long-term research and accumulated insights and essentially their full artistic trajectory? 

Many important aspects of art making are often left out of exhibitions, at best they are sometimes simply captured sporadically in curatorial statements. As curators, we have to question what is truly meaningful in exhibition making. I found for myself that the essential transcendental exchanges between artists and curators were somehow always missing in many exhibitions. For instance the significance of visiting artists’ studios, looking at and thinking about their work, deciphering their significance and how they may evolve over time, all these conversations are generally missed. My aim with FIELD MEETING program was therefore to bring these processes, and such alchemy of exchanges between art-professionals center-stage.  I discovered that one effective way is to do this by inviting artists to explore the medium of lecture-performance. This is an extraordinary medium that many artists are now beginning to engage in more and more because it allows all aspects of their practice, particularly the behind the scenes- efforts and long-term preoccupations to come to light. However, there is still very little institutional support for this medium and perhaps thankfully also completely overlooked within the art market.

In terms of what differentiates the art-scene in Asia from other scenes, I think it mainly lies in the fact that Europe has over 500 years of institutional history while Asia does not. Europe has had 500 years of patronship and arts-institutional collaborations whereas Asia has always had regional isolation. When it comes to the organizational, structural, institutional collaborative nature of contemporary art management, the international art scenes expect Asia to have that same level of institutional capacity within such a short period of time. This is something we can’t pretend to achieve. We should deal with our own institutional history and it’s timeline unfolding in Asia as an opportunity to show alternatives ways of thinking, operating, and presenting contemporary art in ways that are relative and meaningful to local arenas in Asia.

ACA project: What are your thoughts on how this scene has evolved these past 5 years?

Leeza Ahmady: The scene has shifted in both good and not so constructive ways. When I started conceiving “FIELD MEETING” as a new form of exhibition making, it was a frightening step but I knew there was a voice that needed to be spoken – not just mine but the voices of many other colleagues that were aligned with mine. I took the bold step of approaching mainstream museums such as the Metropolitan Museum of Art, The Guggenheim Museum and Performa Biennale for support by hosting the program while giving me full curatorial authority. I helped them see that they would gain new audiences as well as expose their own audiences to current practices, ideas, movements and communities that they simply don’t have access to or the time to focus on. It was clear that it was a win-win situation, which came from a trust built over many years stemming from my curatorial tenacity and ACAW’s history of remarkable programming.

I would say that today, New York galleries, museums, and academic institutions are feeling a lot safer in including Asia-based artists, or Asia-diaspora artists in their roster of programming. These artists are more readily presented under the light of contemporaneity, rather than representing their home-countries. These exhibitions are also not hidden during months of the year when no one actually visits galleries. Such strides have been made by the efforts of numerous artists, curators, and scholars here, in Asia and abroad who have worked hard for many decades to break disempowering categorical boundaries in which artists are presented. 

At the same time, there is still a great deal of work to be done. Majority of US cities do not have museums and galleries that present any kind of contemporary art programming from any parts of Asia. There are still not substantial long-term collaborations between the many regions and countries inside of Asia and within their artistic communities. There are also many artists everywhere who tend to be caught in sheer anger.  In my view perhaps too many people in the art world are wrapped up around identity politics. This is a dangerous pitfall. It’s not a healthy way to practice art – an artist can reference identity, can unpack identity, but if she or he is holding on to it, and wishes to claim respect and privilege because of it, that’s unhealthy. Each one of us can create our own privilege by knowing and respecting our identities within ourselves, while respecting the identity-specificities of others. I’m noticing in the US: the polarization of politics, which is a step backward. We were moving away from identity politics and beginning to really step into approaching art as both immersive and standing apart from social and national identity, but now we are back to a kind of stickiness, which is a byproduct of fear that is also amplified by both the coronavirus pandemic and the hostile atmosphere of the US elections. I think that ultimately, claiming greatness because you come from one national, cultural or racial background over another is immature and infantile, but it’s happening on both the left and rightwing spheres equally. 

ACA project: Would you say there is one Asian art scene or several Asian art scenes?

Leeza Ahmady: Everyone has a different understanding or concept of Asia. When I first sat with the founders of ACAW in 2005, there was a lot of resistance to accept including countries in Central Asia and the Middle East as part of Asia. There was an insistence on focusing on China, Korea and Japan or going as far as India and Pakistan but not beyond, so indeed we have come a long way from that time. Now ArtAsiaPacific magazine has gone beyond its own official title to include countries such as Qatar and Saudi Arabia in its roster of reporting.  

Thus in acknowledgment of this progress, in 2014, I decided to drop the letter “n” from the title of our organization Asian Contemporary Art Week because as noted above, the term Asian had always bothered me.  Why? I felt that this small grammatical shift allows our attention to move away from geography, ethnicity and nationality to instead consider a far more vast and conceptually indefinable space, one of the largest continents of the world known as Asia. I don’t believe there has ever been such a thing as an Asian contemporary art scene. However, we can and should speak about the art scenes in Asia. We, the art professionals are the ones that need to begin using a language that represent our work properly.

My work is to cultivate the art scenes in Asia without too much concern about how they are perceived, marketed and sold. Through ACAW programs such as FIELD MEETING, we presented the artists within local art scenes in Asia and beyond in our programming without seeking for validation from mainstream museums, galleries and auction houses. This tendency to look for validation is something many artists are addicted to. For validation from the so-called dominant centers represent the biggest problem for artists from Asia because there is a reliance on these irrelevant external source, mostly the occidental part of the world. The most visible and powerful artists from the so-called Asian scene are those who are constantly acclaimed in Western arenas. For instance we have Ai Weiwei who is from China repeatedly presented in powerful mainstream art venues across Europe and American as if Asia was made of only one nation and as if one artist could represent that country of 1.3 billion inhabitants. So language has a huge impact on how we are represented: somehow, it can be used to keep artists and their practices trapped under a digestible lollipop, something sweet enough to suck on, no discomfort, no effort for real support or perception of reality. We can’t just keep saying that Asia is vast and complex but use that same language that has been composed to describe who we are and our histories that perpetuate the same power-mechanisms within the same old arenas. We have to open our eyes and notice how much as changed and how to powerfully respond to and create more positive and empowering change not only within the various art scenes we cherish but the world at large.

ACA project: Could you tell us about a memorable event you experienced?

Leeza Ahmady: It is very challenging to choose just one memorable work and I prefer to answer this by having your audience experience one of the presentations at the recent FIELD MEETING art forum edition I curated in 2019. For more information about Asia Contemporary Art Forum I Week and AhmadyArts please visit: acaw.info and ahmadyarts.com

Umber Majeed (New York & Lahore)
The Atomically Explosive Love, 2019, Lecture-Performance. As part of Asia Contemporary Art Forum 2019 Signature Program: FIELD MEETING Take 6: Thinking Collections. Hosted at Alserkal Avenue, Dubai. 

The artist presented a multi-chapter animation that speaks to questions of nationalism, state propaganda and aesthetics, community, and self through speculative fiction. The narrative chronicles the history of nuclear power in Pakistan. In developing this lecture-performance, Majeed used state and familial archives to intersect specific historical moments, starting with the successful nuclear tests performed in the 1990’s to the conception/destruction of a military-state monument, Chaghi Monument Hill. The reading through the female (herself), allows for a queering and alternative historicizing of South Asia in an age of global nationalist uprisings.

Watch a short excerpt of the Lecture Performance: 

Watch the full 20 minutes Lecture Performance: 

Learn more and watch all past ACAF FIELD MEETING editions (2014-2019) here.

Interview by Lou Anmella and Dorian Reunkrilerk – October/November 2020

Pour nos 5 ans, nous avons demandé à Leeza Ahmady, Directrice de l’Asia Contemporary Art Forum de nous partager son point de vue sur la scène artistique d’Asie.

ACA project: Pouvez-vous vous présenter et nous expliquer vos liens avec la scène artistique contemporaine d’Asie ?

Leeza Ahmady: Bonjour, je m’appelle Leeza Ahmady. Je suis née et j’ai grandi à Kaboul, en Afghanistan, et je vis à New York (Etats-Unis) depuis mon adolescence.

Je dirige Asia Contemporary Art Forum (ACAF), anciennement connu sous le nom de Asia Contemporary Art Week (ACAW), une plate-forme curatoriale et éducative fondée en 2001. L’ACAF relie les principales galeries et musées basés à New York et en Asie dans des programmes publics composés d’expositions pointues et de dialogues, projections et performances provocateurs. La plate-forme est à l’avant-garde du large éventail d’œuvres d’art produites par des artistes contemporains travaillant dans toutes les régions d’Asie ainsi que par des artistes de la diaspora asiatique basés dans le monde entier.

Auparavant, j’ai dirigé AhmadyArts, un cabinet indépendant de commissariat d’exposition et de conseil en arts s’attachant à exposer, contextualiser et défendre le travail des artistes à travers des expositions, des activités de création de collections académiques, des ateliers de développement professionnel et la rédaction critique. J’ai été reconnue pour mes recherches fondamentales et mes expositions axées sur les artistes et l’histoire de l’art en Asie centrale (Afghanistan, Kirghizistan, Ouzbékistan, Kazakhstan et Tadjikistan).

ACA project: Selon vous, quelles sont les caractéristiques et les spécificités de cette scène ?

Leeza Ahmady: Lorsque j’ai commencé le programme «FIELD MEETING» en 2014 en tant que programme signature de l’Asia Contemporary Art Week, l’idée était d’imiter l’expérience d’une visite d’atelier mais à l’échelle communautaire. J’ai décidé très tôt de ne pas utiliser le terme « asiatique » lorsque je pensais à l’art d’Asie. Je préfère distinguer le concept de nationalité de celui d’un état d’esprit philosophique, culturel et intellectuel continental. En fait, avant de plonger dans l’idée d’une scène artistique, j’aime partager mes réflexions sur ma pratique professionnelle personnelle. A savoir que depuis de nombreuses années, je réfléchissais à comment exposer l’énergie des artistes plutôt que les objets qu’ils fabriquent ? Comment pouvons-nous mettre en valeur leurs recherches effectuées sur le long terme, l’accumulation de leurs connaissances et, essentiellement, leur trajectoire artistique dans son ensemble ?

De nombreux aspects importants de la création artistique sont souvent laissés de côté dans les expositions, au mieux, ils sont parfois simplement capturés de manière sporadique dans les déclarations des commissaires. En tant que commissaires, nous devons nous demander ce qui est vraiment significatif dans la réalisation d’expositions. J’ai constaté par moi-même que les échanges transcendantaux essentiels entre artistes et conmmissaires faisaient toujours défaut dans de nombreuses expositions. Par exemple, l’importance de visiter les ateliers des artistes, de regarder et de réfléchir à leur travail, de déchiffrer leur signification et leur évolution possible au fil du temps, généralement, toutes ces conversations sont manquantes. Mon objectif avec le programme FIELD MEETING était donc de mettre en avant ces processus, et cette alchimie des échanges entre professionnels de l’art. J’ai découvert qu’un moyen efficace est de le faire en invitant les artistes à explorer le médium de la lecture-performance. C’est un médium extraordinaire dans lequel de nombreux artistes commencent à s’engager de plus en plus car il permet de mettre en lumière tous les aspects de leur pratique, en particulier les coulisses – leurs efforts et leurs préoccupations à long terme. Cependant, il y a encore très peu de soutien institutionnel pour ce médium et, peut-être heureusement aussi, il est complètement ignoré dans le marché de l’art.

En termes de ce qui différencie la scène artistique d’Asie des autres scènes, je pense que cela réside principalement dans le fait que l’Europe possède plus de 500 ans d’histoire institutionnelle, contrairement à l’Asie. L’Europe a eu 500 ans de mécènes et de collaborations artistiques-institutionnelles, tandis que l’Asie a toujours connu un isolement régional. En ce qui concerne la nature organisationnelle, structurelle et institutionnelle de la gestion de l’art contemporain, les scènes artistiques internationales s’attendent à ce que l’Asie ait le même niveau de capacité institutionnelle dans un laps de temps très court. C’est quelque chose que nous ne pouvons pas prétendre accomplir. Nous devons traiter de notre propre histoire institutionnelle et de la chronologie qui se déroule en Asie comme une occasion de montrer d’autres façons de penser, d’exploiter et de présenter l’art contemporain d’une manière relative et significative pour les sphères locales en Asie.

ACA project: Comment avez-vous remarqué que cette scène a évolué au cours des 5 dernières années ?

Leeza Ahmady: La scène a changé à la fois de manière positive et moins constructive. Quand j’ai commencé à concevoir FIELD MEETING comme une nouvelle forme de création d’expositions, c’était une étape effrayante, mais je savais qu’il y avait une voix qui devait être entendue – pas seulement la mienne, mais les voix de nombreux autres collègues qui étaient alignées avec la mienne. J’ai pris le pas audacieux d’approcher les musées grand public tels que le Metropolitan Museum of Art, le Guggenheim Museum et la Performa Biennale pour obtenir leur soutien en accueillant le programme dans leurs espaces tout en me donnant une pleine autorité sur le commissariat. Je les ai aidés à voir qu’ils gagneraient de nouveaux publics et exposeraient leur propre public aux pratiques, idées, mouvements et communautés actuels auxquels ils n’ont tout simplement pas accès ou sur lesquels ils n’ont pas le temps de se concentrer. Il était clair que c’était une situation gagnant-gagnant, qui venait d’une confiance bâtie sur de nombreuses années découlant de ma ténacité curatoriale et de l’histoire de la programmation remarquable de l’ACAW.

Je dirais qu’aujourd’hui, les galeries, musées et établissements universitaires de New York se sentent beaucoup plus sereins en incluant des artistes basés en Asie ou des artistes de la diaspora asiatique dans leur liste de programmes. Ces artistes sont plus facilement présentés à la lumière de la contemporanéité, plutôt que de représenter leur pays d’origine. Ces expositions ne sont pas non plus cachées pendant les mois de l’année où personne ne visite réellement les galeries. De tels progrès ont été réalisés grâce aux efforts de nombreux artistes, conservateurs et universitaires ici, en Asie et à l’étranger, qui ont travaillé dur pendant de nombreuses décennies pour briser les frontières catégoriques déresponsabilisantes dans lesquelles les artistes sont présentés.

Dans le même temps, il reste encore beaucoup à faire. La majorité des villes américaines ne disposent pas de musées et de galeries présentant des programmes d’art contemporain de toutes les régions d’Asie. Il n’y a toujours pas de collaborations substantielles à long terme entre les nombreuses régions et pays d’Asie et au sein de leurs communautés artistiques. Il y a aussi de nombreux artistes partout dans le monde qui ont tendance à être pris de colère. À mon avis, cela vient peut-être du fait que de trop nombreuses personnes dans le monde de l’art sont absorbées par la politique identitaire. Cet écueil est dangereux. Ce n’est pas une manière saine de pratiquer l’art – un artiste peut faire référence à son identité, peut décortiquer l’identité, mais s’il ou elle s’y accroche et souhaite revendiquer respect et privilège pour cette raison, c’est malsain. Chacun de nous peut créer son propre privilège en connaissant et en respectant nos identités en nous-mêmes, tout en respectant les spécificités identitaires des autres. Je remarque aux États-Unis la polarisation de la politique, qui est un pas en arrière. Nous nous éloignions de la politique identitaire et commencions à vraiment aborder l’art comme à la fois immersif et séparé de l’identité sociale et nationale, mais maintenant nous sommes de retour à une sorte de gêne, qui est un sous-produit de la peur amplifiée par la pandémie de coronavirus et l’atmosphère hostile des élections américaines. Je pense qu’en fin de compte, revendiquer la grandeur parce que vous venez d’une origine nationale, culturelle ou raciale plutôt qu’une autre est immature et infantile – mais cela se produit tout aussi bien dans les sphères de gauche que de droite.

ACA project: Diriez-vous qu’il existe une scène d’art contemporain d’Asie ou plusieurs scènes ?

Leeza Ahmady: Chacun a une compréhension ou un concept différent de l’Asie. Lorsque je me suis assise pour la première fois face aux fondateurs de l’ACAW en 2005, il y avait beaucoup de résistance à accepter d’inclure des pays d’Asie centrale et du Moyen-Orient comme faisant partie de l’Asie. Il y avait une insistance pour se concentrer sur la Chine, la Corée et le Japon ou aller aussi loin que l’Inde et le Pakistan mais pas au-delà, donc en fait, nous avons parcouru un long chemin depuis cette époque. Maintenant, le magazine ArtAsiaPacific est allé au-delà de son propre titre officiel pour inclure des pays tels que le Qatar et l’Arabie saoudite dans sa liste de reportages.

Ainsi, en reconnaissance de cette avancée, j’ai décidé en 2014 de supprimer la lettre «n» du titre de notre organisation Asian Contemporary Art Week car comme indiqué plus haut, le terme asiatique m’avait toujours dérangé. Pourquoi? J’ai senti que ce petit changement grammatical permettait à notre attention de s’éloigner de la géographie, de l’ethnicité et de la nationalité pour plutôt envisager un espace beaucoup plus vaste et conceptuellement indéfinissable, l’un des plus grands continents du monde connu sous le nom d’Asie. Je ne crois pas qu’il y ait jamais eu de scène d’art contemporain asiatique. Cependant, nous pouvons et devons parler des scènes artistiques en Asie. Nous, les professionnels de l’art, sommes ceux qui doivent commencer à utiliser un langage qui représente correctement notre travail.

Mon travail consiste à développer les scènes artistiques en Asie sans trop se soucier de la façon dont elles sont perçues, commercialisées et vendues. Grâce à des programmes de l’ACAW tels que FIELD MEETING, nous avons présenté au sein de notre programmation des artistes dans des scènes artistiques locales en Asie et au-delà sans chercher à obtenir la validation des musées, galeries et maisons de ventes aux enchères. Cette tendance à rechercher la validation est une chose à laquelle de nombreux artistes sont accro ; la validation des soi-disant centres dominants représente le plus gros problème pour les artistes d’Asie parce qu’il y a une dépendance à ces sources externes non pertinentes, principalement en provenance de la partie occidentale du monde. Les artistes les plus visibles et les plus puissants de la scène dite asiatique sont ceux qui sont constamment acclamés dans les sphères occidentales. Par exemple, nous avons Ai Weiwei, originaire de Chine, présenté à plusieurs reprises dans de puissants centres d’art grand public à travers l’Europe et les États-Unis, comme si l’Asie était composée d’une seule nation et comme si un artiste pouvait représenter ce pays de 1,3 milliard d’habitants. La langue a donc un impact énorme sur la façon dont nous sommes représentés: d’une manière ou d’une autre, elle peut être utilisée pour garder les artistes et leurs pratiques piégés sous un bonbon digestible, quelque chose d’assez doux à suçoter, sans inconfort, sans fournir d’effort pour soutenir ou percevoir la réalité. Nous ne pouvons pas continuer à dire que l’Asie est vaste et complexe, tout en continuant d’utiliser le même langage composé pour décrire qui nous sommes et nos histoires qui perpétuent les mêmes mécanismes de pouvoir dans les mêmes vieilles sphères. Nous devons ouvrir les yeux et remarquer à quel point cela a changé et se demander comment réagir avec force et créer un changement plus positif et plus stimulant non seulement dans les différentes scènes artistiques que nous chérissons mais dans le monde en général.

ACA project: Pourriez-vous partager avec nous un souvenir ou une expérience mémorable ?

Leeza Ahmady: Il est très difficile de choisir une seule œuvre mémorable et je préfère répondre à cela en faisant découvrir à votre public l’une des présentations lors de la récente édition du forum FIELD MEETING que j’ai organisée en 2019. Pour plus d’informations sur Asia Contemporary Art Forum I Week et AhmadyArts n’hésitez pas à visiter les sites acaw.info et ahmadyarts.com

Umber Majeed (New York & Lahore)
The Atomically Explosive Love, 2019, Lecture-Performance. As part of Asia Contemporary Art Forum 2019 Signature Program: FIELD MEETING Take 6: Thinking Collections. Hosted at Alserkal Avenue, Dubai. 

L’artiste a présenté une animation en plusieurs chapitres qui aborde des questions de nationalisme, de propagande étatique et d’esthétique, de communauté et de soi à travers la fiction spéculative. Le récit raconte l’histoire de l’énergie nucléaire au Pakistan. En développant cette conférence-performance, Majeed a utilisé des archives nationales et familiales pour croiser des moments historiques spécifiques, en commençant par les essais nucléaires réussis réalisés dans les années 1990 jusqu’à la conception / destruction d’un monument militaire, « Chaghi Monument Hill ». La lecture à travers la femme (elle-même) permet une historisation étrange et alternative de l’Asie du Sud à l’ère des soulèvements nationalistes mondiaux.

Regardez un extrait de la Lecture Performance : 

Regardez la vidéo complète de la Lecture Performance (20 minutes) : 

Découvrez le programme des éditions ACAF FIELD MEETING (2014-2019) ici.

Propos recueillis par Lou Anmella et Dorian Reunkrilerk – Octobre/Novembre 2020