ACA PROJECT x KOÏ – 12 ARTISTS ON HERITAGE (PART 2/2)

Playing a huge role in the shaping of our identity, art transmits values and unveils the marks of history on society at the same time. Overwhelmed by war in the midst of the 20th century, Vietnam saw its population flee to the West like Prune Phi’s and Din Q. Lê’s families. These artists’ works are part of a personal duty of remembrance that turns out to be global. Adopted by a Belgium couple, Youqine Lefèvre renews with her native China through her work while Fumiko Imano attempts to overcome her frustrations related to her initial Japanese culture. Susan Chen’s paintings depict Asian-Americans lifestyles whereas Jia Yuan Hua ‘s artworks combine Chinese traditions and modernity.

ACA project has selected these artists to echo the edition #21 of Koï magazine, with a special issue on « Heritage ».

Jouant un rôle clé dans la construction de notre identité, l’art est à la fois vecteur de valeurs et réceptacle de l’histoire d’une civilisation. Bouleversé par la guerre au XXe siècle, le Vietnam a vu sa population s’expatrier en Occident à l’image des familles de Prune Phi et de Dinh Q. Lê dont les travaux s’inscrivent dans une démarche de devoir de mémoire personnelle devenue collective. Adoptée par un couple belge, Youqine Lefèvre renoue avec sa Chine natale par son travail tandis que la japonaise Fumiko Imano invente une jumelle rêvée pour combler un vide culturel. Susan Chen illustre le mode de vie des Américains aux origines asiatiques alors que Jia Yuan Hua mêle Chine traditionnelle et modernité.

Ces artistes sont sélectionnés par ACA project, en écho à l’édition #21 du magazine Koï, sur le thème « Héritage ».

YOUQINE LEFÈVRE

© Youqine Lefèvre

Youqine Lefèvre (b. 1993, China) is a Belgian photographer from Chinese origins. She graduated from a Bachelor in visual arts from the School of Graphic Research (ERG) in Brussels, from the School of Applied Arts (CEPV) in Vevey and from a Master in visual arts from the Royal Academy of Fine Arts (KASK) in Ghent. Combining a documentary perspective with a deeply personal subject, her photographic work deals with family, its faults, memory, and childhood. During her Master’s degree, she developed the series The Land of Promises, a personal journey to discover her Chinese roots. Adopted at the age of eight months by a Belgian family, Youqine Lefèvre grew up in conflict with her identity, rejecting her Chinese origins. Using the few administrative documents in her possession, in 2017 and 2019 she returned for the first time to the place of her childhood. Visiting the orphanage and the police station where she was brought to – in search of memories and answers. She spent three months in Hunan, photographing with her film camera traces of the one-child policy. Gradually, her work broke away from her personal history to question the great History: what are the consequences of the one-child policy in China? What happened to these children? This project, combining archival documents, texts, testimonies and photographs, marks an aesthetic turning point in her work and will soon be published as a book, retracing her story and that of thousands of other Chinese children.

Youqine Lefèvre (née en 1993, Chine) est une photographe belge d’origine chinoise. Elle est diplômée d’un Bachelor en Arts Plastiques et Visuels de l’ERG (Ecole de Recherche Graphique, Bruxelles), de l’Ecole Supérieure d’Arts Appliqués de Vevey et d’un Master en Arts Visuels de l’Académie royale des Beaux Arts de Gand. Situé à la lisière entre le documentaire et l’intime, son travail photographique s’intéresse principalement à la famille et ses failles, la mémoire, l’enfance et l’intime, des thèmes qui la touchent particulièrement. Dans le cadre de son Master, elle a développé la série « The Land of Promises », un voyage personnel à la découverte de ses racines chinoises. Adoptée à l’âge de huit mois par une famille belge, Youqine Lefèvre a grandi en conflit avec son identité, rejetant ses origines chinoises. En se basant sur les quelques documents administratifs en sa possession, elle retourne en 2017 et 2019 pour la première fois sur les lieux de son enfance – à l’orphelinat, au commissariat de police où elle a été déposée – à la recherche de souvenirs, de réponses. Elle reste trois mois au Hunan, photographiant avec son argentique les vestiges de la politique de l’enfant unique. Progressivement, son travail se détache de son histoire personnelle pour questionner la grande Histoire : quelles sont les conséquences de la politique de l’enfant unique en Chine ? Que sont devenus ces enfants ? Ce projet, mêlant documents d’archives, textes, témoignages et photographies, marque un tournant esthétique dans son travail et sera prochainement publié sous forme d’un ouvrage, retraçant son histoire et celle de milliers d’autres enfants chinois.

Camille Despré

SUSAN CHEN

© Susan Chen, « Streetcars of Desires », 2020

The indelible works of Susan Chen center on the artist’s “search for the meaning of home”, yielding visibility to the Asian American diaspora by occupying the liminal spaces between displacement and belonging. As a first-generation American immigrant from Hong Kong and the United Kingdom, Chen’s depictions of her subjects, most of whom are complete strangers, embody the emotional tensions that expound each of their unique cultural identities. Finding her subjects through social media groups such as Subtle Asian Traits, Subtle Asian Life NYC, Chinatowns of New York City and NYC Yang Gang, Chen takes on the roles of both therapist and artist, listening to her subjects’ anxieties while transferring their appearances onto the canvas, in sessions lasting from five to six hours. Chen’s first solo exhibition at the Meredith Rosen Gallery in New York, On Longing, featured pieces that were made during the early stages of the Covid-19 pandemic, all of which were greeted with wide acclaim. Each work is imbued with purposeful details that characterise Chen’s heritage, restless psyche and inspirations, coming together to express the artist’s encounters between her individual self and the ever-changing world in which we exist. Her energetic brushstrokes move effortlessly around her subjects, resting boldly amongst rippled landscapes that are reminiscent of Matisse and Soutine. What remains most powerful, however, is Chen’s empathetic investigation of her subjects’ fragilities – whether it be in their unpoised poses, or their melancholy yet steady gazes. Chen is an artist who doesn’t shy away from the psychologies of race and heritage, instead delving into the shared Asian American experience, one portrait at a time. 

Les œuvres inoubliables de Susan Chen sont centrées sur la «recherche du sens du chez-soi» de l’artiste, donnant une visibilité à la diaspora américano-asiatique autour des questions du déplacement et de l’appartenance. En tant qu’immigrante américaine de première génération originaire de Hong Kong et du Royaume-Uni, Susan Chen dépeint des sujets – dont la plupart sont de parfaits inconnus – par des représentations qui incarnent les tensions émotionnelles propre à leurs identités culturelles uniques. Trouvant ses sujets sur des groupes de médias sociaux tels que Subtle Asian Traits, Subtle Asian Life NYC, Chinatowns of New York City et NYC Yang Gang, Susan Chen assume le double rôle de thérapeute et d’artiste, écoutant les angoisses de ses sujets tout en transférant leurs apparitions sur la toile, au cours de sessions de cinq à six heures. La première exposition personnelle de Susan Chen à la galerie Meredith Rosen de New York, « On Longing », présentait des toiles réalisées pendant les premiers stades de la pandémie de Covid-19, toutes accueillies par un vif succès. Chaque œuvre est imprégnée de détails délibérés qui caractérisent l’héritage de Chen, sa psyché agitée et ses inspirations, se réunissant pour exprimer les rencontres de l’artiste entre son moi individuel et le monde en constante évolution dans lequel nous vivons. Ses coups de pinceau énergiques se déplacent sans effort autour de ses sujets, reposant avec audace parmi des paysages ondulés qui rappellent Matisse et Soutine. Ce qui reste le plus puissant, cependant, est l’enquête empathique de Susan Chen sur les fragilités de ses sujets – que ce soit dans leurs poses libres ou dans leurs regards mélancoliques mais stables. Susan Chen est une artiste qui n’évite pas les psychologies des origines et de l’héritage, au contraire, se plongeant ans l’expérience partagée entre l’Asie et les États-Unis, un portrait à la fois.

Jae Lamb

PRUNE PHI

© Prune Phi

Investigating her family history and Vietnamese heritage came naturally for Prune Phi. Born in France of Vietnamese origin, the artist is interested in the topics of identity, transmission and non-transmission, which have become the common thread of her artistic research, since her studies in art school. Initiated in 2017, the « Long Distance Call » project, which leads her to the US to meet her Vietnamese family, paves the way for « Appel manqué » (2018) and « Hang Up » (in progress), which takes her to dialogue with Vietnamese descendants in France before exploring the young generation in Vietnam. These series are inscribed as a three-chapter narrative of a personal quest and artistic reflection about identity and cultural heritage. A graduate in visual arts from the University of Toulouse and the Birmingham Institute of Art and Design, as well as in photography from the ENSP Arles, Prune Phi integrates a variety of mediums into her practice – installation, photography, video, collage, poetry … – while keeping the photographic image as the basis of her visual research. Cutting, pasting, tearing, hiding, covering, poetizing, singing, are all artistic ruses that allow her to materialize the silences and obstacles to the transmission of identity encountered by descendants of the Vietnamese diaspora. By confronting and merging her individual experience with the collective history, Prune Phi delivers a touching and universal work.

Enquêter sur son histoire familiale et son héritage vietnamien est venu naturellement pour Prune Phi. C’est depuis ses études en école d’art que cette artiste née en France d’origine vietnamienne, s’intéresse aux questions de l’identité, de la transmission et de la non-transmission, devenues le fil rouge de sa recherche artistique. Initié en 2017, le projet « Long Distance Call », qui la mène aux Etats-Unis à la rencontre de sa famille vietnamienne, ouvre la voie à  « Appel Manqué » (2018) puis « Hang Up » (en cours), qui la font dialoguer avec les descendants vietnamiens en France avant d’explorer la jeunesse du Vietnam. Ces séries s’inscrivent comme un récit en trois chapitres d’une quête personnelle et d’une réflexion artistique autour de l’identité et de l’héritage culturel. Diplômée en arts plastiques de l’Université de Toulouse et du Birmingham Institute of Art and Design, ainsi qu’en photographie de l’ENSP Arles, Prune Phi intègre une variété de médiums à sa pratique – installation, photographie, vidéo, collage, poésie… – tout en conservant l’image photographique comme base de sa recherche visuelle. Couper, coller, déchirer, camoufler, recouvrir, poétiser, chanter, sont autant de subterfuges artistiques qui lui permettent de matérialiser les silences et les obstacles à la transmission identitaire que rencontrent les descendants de la diaspora vietnamienne. En faisant se confronter et se confondre l’expérience individuelle à l’histoire collective, Prune Phi livre une oeuvre touchante et universelle.

Lou Anmella-de Montalembert

JIA YUAN HUA

© Jia Yuan Hua, « Prohibit Building », 2016

After graduating from Beijing Union University in 2003, Jia Yuan Hua (b. 1980) starts working as web designer before turning into an artistic career. Since 2017, his work has been displayed regularly in exhibitions both in Asia and Europe. Through his artworks, he hopes to raise public awareness on the importance to preserve the Chinese artistic and architectural heritage, which tends to get lost due to modernization, urbanization, education reforms and mass tourism. In his canvases, he represents multiple monuments and historical buildings, such as the Zhengyang Gate, the Summer Palace, the Great Wall and hutongs, typical of the old Beijing, to underline the Chinese architectural wealth. The hutongs in particular, which have drastically reduced in number, from 3300 to 430 today, epitomize the progressive disappearing of historical architecture. Jia Yuan Hua regularly represents them under a Magnolia branch that loses some of its flowers, to symbolize the evanescent traditional Chinese culture. He also focuses on craftsmanship, as instance in « Hope » (2014), which central motif is a richly adorned mirror that belonged to the royal family of the Ming and Qing dynasties. He contrasts it with the modern city and skyscrapers, to underline the vanishing of ancestral techniques which allowed to produce extremely refined objects. Through recurring elements, and more specifically the panda, protected as endangered species, the artist manages to highlight the necessity to protect Heritage the way pandas are. His elaborate technique, using knife carving on wet painting, allows him to beautifully and precisely render the contour of all these historic places he admires and wishes to preserve.

Diplômé de l’université de l’Union de Pékin en 2003, Jia Yuan Hua (né en 1980) exerce d’abord en tant que designer de sites internet avant de se consacrer à sa carrière artistique. Depuis 2017, son travail est régulièrement présenté dans des expositions en Asie comme en Europe. Dans ses oeuvres, il attire l’attention du public sur l’importance de préserver l’héritage artistique et architectural chinois, qui se perd progressivement sous l’effet de la modernisation, de l’urbanisation, des réformes de l’éducation et du tourisme de masse. Représentés sur ses toiles, différents monuments et bâtisses historiques, tels que la porte de Zhengyang, le Palais d’été, la grande muraille de Chine et les ‘hutongs’, typiques et traditionnels du vieux Pékin lui permettent de souligner la richesse architecturale chinoise. Emblématiques, les ‘hutongs’ en particulier, dont le nombre a drastiquement diminué de plus de 3300 à 430 aujourd’hui, symbolisent la disparition progressive de l’architecture historique. Jia Yuan Hua les représente souvent sous une branche de magnolias, dont les fleurs se détachent et s’envolent, afin de symboliser la culture traditionnelle évanescente. Il s’intéresse également à l’artisanat, notamment dans son oeuvre « Hope » (2014), dont le motif central est un miroir richement décoré utilisé par les familles royales des dynasties Ming et Qing. Il le met en contraste avec la ville moderne et les gratte-ciels, afin de souligner la disparition de techniques ancestrales ayant permis de produire des objets d’une grande finesse. Il utilise également plusieurs éléments récurrents, et en particulier le panda, espèce protégée et considérée trésor national, pour souligner la nécessité de protéger le patrimoine de façon similaire.

Emeline Kaddour

FUMIKO IMANO

© Fumiko Imano, « Fountain », 2002

Japanese artist Fumiko Imano’s work is often associated with self portrait photographs, videos and installations. Using scissors, glue and a 35mm camera, she creates surprisingly realistic collages which rise her to fame. Born in 1974, she was raised in Rio de Janeiro, Brazil, before studying fine arts at Central Saint Martins and fashion photography at London College of Fashion. Fumiko Imano appreciates depicting herself in naive and playful photographs where her dreamlike twin sometimes pops out. She questions herself about her identity after moving to Hitachi, Japan, where she felt like a stranger in her own country. Having described herself as an “alien” since the age of eight, Fumiko Imano admits that her self-portraits also have a therapeutic aim. In WE OUI published by Little Big Man Books, the Japanese artist reveals that her double has helped her to overcome this trauma: “If I have a twin sister, I won’t be lonely, and I will be happy living in any environment together.”  Her feeling of loneliness deeply inspired her Twins series which was noticed by Spanish fashion house Loewe with whom she teamed up alongside her fictional sister for the making of its 2018 and 2019 campaigns. Besides, her latest collaborations with Loewe and Kiko Kostadinov X Asics proved to be successful in the fashion industry. Holding a loaf of bread, playing with a dog or hiding behind leaves, Fumiko Imano constantly unveils new aspects of her personality and seems to invite us to reflect on our own perception of ourselves. Fumiko Imano currently works in London, Paris and Hitachi. 

Les œuvres de l’artiste japonaise Fumiko Imano prennent souvent la forme d’autoportraits photographiques, de vidéos ou encore d’installations. Utilisant des ciseaux, de la colle et un appareil photo argentique, elle compose des collages étonnamment réalistes qui la rendent célèbre. Née en 1974, elle a grandi au Brésil, à Rio de Janeiro avant d’étudier les beaux-arts à l’école Central Saint Martins ainsi que la photographie de mode à l’Université des arts de Londres. Fumiko Imano apprécie se mettre en scène de manière naïve et ludique dans des photographies dans lesquelles parfois sa jumelle rêvée apparaît. Elle s’interroge sur son identité après s’être installée au Japon à Hitachi où elle s’est sentie étrangère dans son propre pays. Se décrivant comme apatride dès l’âge de huit ans, Fumiko Imano admet que ses œuvres ont aussi une visée thérapeutique. Dans l’ouvrage WE OUI publié par  les éditions de la galerie éponyme Little Big Man, l’artiste japonaise révèle que son double l’a aidée à surmonter ce traumatisme: “Si j’ai une sœur jumelle, je ne serai pas seule, et je serai heureuse de vivre n’importe où avec elle”. Sa solitude l’a fortement inspirée pour la série Twins qui a été remarquée par la maison Loewe avec laquelle elle collabore aux côtés de sa sœur fictive pour la réalisation des lookbooks de 2018 et 2019. Ses dernières collaborations avec Loewe et Kiko Kostadinov X Asics ont d’ailleurs rencontré un grand succès dans le monde de la mode. Arborant une tranche de pain, jouant avec un chien ou se cachant derrière les feuilles, Fumiko Imano dévoile constamment de nouvelles facettes de sa personnalité et semble nous inviter à remettre en question notre propre perception de notre être. Fumiko Imano travaille actuellement entre Londres, Paris et Hitachi. 

Eléonore Arashima

DINH Q.LÊ

© Dinh Q. Lê, « Crossing Your Father Shore », 2014

Born in Hà Tiên, Vietnam in 1968, Dinh Q. Lê is a Vietnamese artist who once lived as a refugee in the US. He lived there with his family after the Vietnam War from 1978 to 1997. He currently lives in Ho Chi Minh City, Vietnam. Dinh Q. Lê was only a kid when he had to escape the Vietnam War. Though he tried to leave his past, the tragedy, and the irony behind, American movies and documentary series about the Vietnam War were very trending in the ’80s, and his schoolmates asked him very often about the incident. In his third year of college in California, Dinh Q. Lê finally started to take a class about the Vietnam War. Alas, what he got was only American soldiers’ experience; the US lost the war but have a platform to (re)write History: Hollywood. “Americans see us as a victim, tragedy, and drama. We are more than that” says the artist. Dinh Q. Lê uses photography, video and installation to explore the topic of the Vietnam War. He conceives his artworks as a sharing platform to know more about the event, even though it remains a sensitive issue in the communist country. Only a few people in Vietnam have recognized the value and importance of his work, but the artist has faith to use it to sensibilise the young generations. Dinh Q. Lê has exhibitions worldwide and is currently preparing exhibitions in the US, Singapore, and France.

Né à Hà Tiên, Viêt Nam en 1968, Dinh Q. Lê est un artiste vietnamien qui a vécu comme réfugié aux États-Unis. Il s’y est installé avec sa famille après la guerre du Viêt Nam de 1978 à 1997. Il vit actuellement à Ho Chi Minh City, Viêt Nam. Dinh Q. Lê n’était encore qu’un jeune enfant lorsqu’il a fui la guerre. S’il a essayé de laisser son passé, la tragédie et l’ironie derrière lui, la guerre du Viêt Nam était un sujet tendance du cinéma américain et des séries documentaires des années 80, et ses camarades de classe l’interrogeait souvent sur l’incident. Pendant sa troisième année universitaire en Californie, Dinh Q. Lê se décide enfin à suivre un cours sur la guerre du Viêt Nam. Hélas, l’enseignement qu’il reçoit n’est que l’expérience du soldat américain. Les Etats-Unis ont certes perdu la guerre, mais ils ont une plateforme pour (ré)écrire l’Histoire : Hollywood. « Les Américains nous voient comme la victime, la tragédie et le drame. Nous sommes plus que cela ». Dinh Q. Lê se sert de la photographie, de la vidéo et de l’installation pour explorer le thème de la guerre du Viêt Nam. Il conçoit son travail comme une plateforme d’échange pour mieux connaître cet événement, même s’il reste un sujet très sensible au sein du pays communiste. Seules quelques personnes au Viêt Nam ont saisi la valeur et l’importance de son travail, mais l’artiste ne perd pas espoir de pouvoir un jour l’utiliser comme un outil de sensibilisation pour la jeune génération. Dinh Q. Lê est exposé dans le monde entier, et prépare actuellement des expositions aux États-Unis, à Singapour, et en France.

Amirahvelda Priyono