LIGHTS ON ASIA

by Anthony Brienza

The art of installation now occupies an important place in the artistic ecosystem of Asia. Commonly assimilated to the art of sculpture, these artworks actually far exceed the original canons of this discipline. Appearing during the second half of the 20th century in the context of the major changes in contemporary art in Asia, the installation will particularly affect a new generation of artists, sensitized by this new conception of the relationship between the artwork, space and volume. Thus raising an artistic concept of interaction and intervention linked to entirely contemporary precepts, the art of installation will unfold in Asia through a multitude of mediums. We will present here six contemporary artists whose productions show a desire to hybridize installation and the work of light and incandescent objects. Highlighting a sensory experience of the artwork, these are real interactions between light, architectural space, object and visitor. Also close to kinetic art, ‘luminous art’ is fully part of the contemporary artistic experience and particularly in Asia

L’art de l’installation occupe aujourd’hui une place importante dans l’écosystème artistique d’Asie. Assimilées communément à l’art de la sculpture, ces œuvres dépassent en réalité très largement les canons originaux de cette discipline. Apparu dans le courant des grandes mutations de l’art contemporain d’Asie durant la seconde moitié du XXème siècle, l’installation va particulièrement toucher une nouvelle génération d’artistes, sensibilisée notamment par cette conception nouvelle des rapports entre l’œuvre, l’espace et le volume. Élevant donc un concept artistique d’interaction et d’intervention lié à des préceptes tout à fait contemporains, l’art de l’installation va se déployer en Asie à travers une multitude de médiums. Nous allons ici présenter six artistes contemporains dont les productions témoignent d’une volonté d’hybridation entre l’installation et le travail de la lumière et des objets incandescents. Favorisant une expérience sensorielle de l’œuvre d’art, ce sont donc de véritables interactions entre la lumière, l’espace architectural, l’objet et le visiteur. Proche également de l’art cinétique, “l’art lumineux” fait pleinement partie de l’expérience artistique contemporaine et particulièrement en Asie. 

AIRAN KANG (Korean b.1960)

Transforming the libraries and bookshops she encounters, Airan Kang develops a singular art practice where the materiality of the object is elevated by a creative spirit based on a research on the humain knowledge symbols. The artist’s major project, « Digital Book Project », uses book light sculptures. By a skillful use of light-emitting diodes, Airan Kang gives a second life to objects that are anchored in their inalterable original nature. These creations, largely inspired by famous figures and adorned with quotes from the original works, allow the artist to evoke a theme related to the importance of the book as an information portal. It thus projects these specific objects into a virtual space, questioning the future of knowledge and research in a world now fully animated by new contemporary issues.

Transformant les bibliothèques et librairies qu’elle rencontre, Airan Kang développe un art singulier où la matérialité de l’objet est élevée par un esprit créatif basé sur une recherche sur les symboles de la connaissance humaine. Le grand projet de l’artiste, « Digital Book Project », met en oeuvre des sculptures lumineuses en formes de livres. Par une habile utilisation de diodes électroluminescentes, Airan Kang donne une seconde vie à des objets alors ancrés dans une nature première inaltérable. Ces réalisations, en grande partie inspirées par des figures célèbres et ornés de citations tirées des œuvres originales, permettent à l’artiste d’évoquer une thématique liée à l’importance du livre en tant que portail d’information. Elle projette ainsi ces objets spécifiques dans un espace virtuel, questionnant l’avenir du savoir et de la recherche dans un monde désormais pleinement animé par de nouveaux enjeux contemporains.

TATSUO MIYAJIMA (Japanese b.1957)

Tatsuo Miyajima has been one of the pioneering Japanese artists of digital installation since the late 1980s. He was initially trained as a sculptor, which later fed his personal apprehension of the relationship between artwork, time and space to exhibit. Inspired by traditional Buddhist thought and the questions about the cycle of human life, he conducts his artistic reflection by the use of digital LED meters arranged within a confidential graphic universe and imbued with the personality of the artist. The counters each operate at their own pace and range from 1 to 9, the 0 is considered by Tatsuo Miyajima as a western concept. The displays vary considerably between each production and testify of the ambition of the artist to constitute the whole of his work in a connected environment through which he expressed his personal theories on the continuity of the temporal flow that would guide the human spirit.

Tatsuo Miyajima (né en 1957, Japon) est depuis la fin des années 1980 l’un des artistes japonais pionniers de l’installation numérique. Il reçoit à ses débuts une formation de sculpteur, alimentant par la suite son appréhension personnelle des rapports entre l’œuvre, le temps et l’espace d’exposition. Inspiré par la pensée bouddhiste traditionnelle et notamment des questions sur le cycle de la vie humaine, il conduit sa réflexion artistique à partir de compteurs LED numériques disposés au sein d’un univers graphique confidentiel et empreint de sa personnalité. Les compteurs fonctionnent chacun à leur propre rythme et vont de 1 à 9, le 0 étant considéré par Tatsuo Miyajima comme un concept occidental. Les affichages varient considérablement entre chaque production et témoignent de l’ambition de l’artiste de constituer l’ensemble de son oeuvre en un environnement connecté à travers lequel il exprime ses théories personnelles sur la continuité du flux temporel qui guiderait l’esprit humain. 

SOO SUNNY-PARK (Korean b.1975)

Soo Sunny-Park’s light installations are real invitations to wander through the artist’s personal graphic imagination. Mainly composed of pore-like modules that intertwine, the artist’s productions deconstruct the visual space of the exhibition by exploring the mechanics between the external gaze and the artwork. The artist uses light to boldly reveal the figurative emanations from the elemental object. She thus questions the identity of the work of art, located in an artificial space between the substantial and the subjective concept. The projected color shadows would then represent the finality of the work, freed from the limits and constraints imposed by the object. Soo Sunny-Park continues today her research on liminal space and the links between physical reality and ideal reality.

Les installations lumineuses de Soo Sunny-Park sont de véritables invitations à déambuler dans l’imaginaire graphique personnel de l’artiste. Composées majoritairement de modules poreux s’entremêlant, les productions de l’artiste déconstruisent l’espace visuel d’exposition en explorant les mécaniques entre le regard extérieur et l’œuvre d’art. L’artiste utilise la lumière afin de révéler audacieusement les émanations figuratives issues de l’objet élémentaire. Elle questionne ainsi l’identité de l’œuvre d’art, située dans un espace artificiel entre le substantiel et le concept subjectif. Les ombres de couleurs projetées représenteraient alors la finalité de l’œuvre, affranchie des limites et contraintes imposées par l’objet. Soo Sunny-Park poursuit encore aujourd’hui ses recherches sur l’espace liminal et les liens entre la réalité physique et la réalité idéale.

LI HUI (Chinese 1977-2020)

Li Hui was an artist from Beijing who was well known for his unique approach to the treatment of light and incandescent objects. He will quickly develop a very personal vision of the relationship between art and the surrounding social environment, and he will place at the heart of his reflection the sensory experience of the artwork. For him, a right balance between technology and art must be able to reveal certain truths about man and more globally about humanity. He thus used composite devices where LED panels, mirrors, lasers and smoke projections will constitute vaporous or atmospheric forms by which he will make visible its perception of natural imbalances. “Red Laser Light” fully reflects his observations, the installation is frozen in the artist’s imaginary and confronts in a sensitive way the observer’s interpretation.

Li Hui était un artiste originaire de Pékin particulièrement reconnu pour son approche singulière du traitement de la lumière et des objets incandescents. Il va rapidement développer une vision très personnelle des relations entre l’art et l’environnement social qui l’entoure et placera au cœur de sa réflexion l’expérience sensorielle de l’œuvre. Pour lui, un juste équilibre entre la technologie et l’art doit pouvoir être révélateur de certaines vérités sur l’homme et plus globalement sur l’humanité. Il utilisait ainsi des dispositifs composites où des panneaux à LED, des miroirs, des lasers et des projections de fumées constituaient des formes vaporeuses voire atmosphériques par lesquelles il rendait visible sa perception des déséquilibres naturels. L’oeuvre “Red Laser Light” rend pleinement compte de ses observations, l’installation est figée dans l’imaginaire de l’artiste et se confronte de manière sensible à l’interprétation de l’observateur.

JEONGMOON CHOI (Korean b.1966)

The minimalist art of Jeongmoon Choi oscillates between illusionism and geometric experience. These luminous devices (made with UV black lights) represent the artist’s artistic explorations, a three-dimensional futuristic universe where changing perceptions redefine the space in which the work unfolds. Her artistic universe is drawn parallel to the movements and vibrations of the earth she feels, creating an immersive sensory experience. It is thus partly these natural forces that inspire her to create a floating architecture consisting of three-dimensional lines made of fluorescent wool yarns. The work is deliberately created in order to disorient the observer in the first place before making him construct a personal perspective from an experience that is both visual and meditative.

L’art minimaliste de Jeongmoon Choi oscille entre l’illusionnisme et l’expérience géométrique. Ces dispositifs lumineux (réalisés à l’aide de lumières noires UV) représentent en effet les explorations artistiques de l’artiste, un univers futuriste tridimensionnel où les perceptions changeantes redéfinissent l’espace dans lequel l’œuvre se déploie. Son univers artistique se dessine parallèlement aux mouvements et vibrations de la terre qu’elle ressent, créant une expérience sensorielle immersive. Ce sont donc en partie ces forces naturelles qui l’inspirent à créer une architecture flottante constituée de lignes tri-dimensionnelles faites de fils de laine fluorescents. L’oeuvre est délibérément créée afin de désorienter en un premier lieu l’observateur avant de lui faire construire une perspective personnelle à partir d’une expérience à la fois visuelle et méditative.

TOKUJIN YOSHIOKA (Japanese, b.1967)

Tokujin Yoshioka is known for his multi-disciplinary approach and his research on the transcendence of art. Author of subtle communions between architecture, design and sculpture, the Japanese artist uses glass and crystal to sculpt luminous forms, its accuracy making in a certain way tangible the coloured flashes that appear as a result of the refractions of light. It seeks to express an energy from the Japanese nature that can provoke strong sensory experiences in the observer. Yoshioka invites the visitor into a mystical environment through which the forms and dimensions of the artistic object are redefined, and where the aura of the work is elevated. His taste for design also led him to work on the impetuous rapidity of today’s society and its future hyper-modernity.

Tokujin Yoshioka est reconnu pour son approche multi-disciplinaire et ses recherches sur la transcendance de l’art. Auteur de subtiles communions entre l’architecture, le design et la sculpture, l’artiste japonais utilise le verre et le cristal afin de sculpter des formes lumineuses, sa justesse rendant d’une certaine manière tangible les éclats colorés qui apparaissent suite aux réfractions de la lumière. Il cherche à exprimer une énergie provenant de la nature japonaise et pouvant provoquer de fortes expériences sensorielles chez l’observateur. Yoshioka invite en effet le visiteur au sein d’un environnement mystique à travers lequel les formes et dimensions de l’objet artistique sont redéfinies, et où l’aura de l’oeuvre est élevée. Son goût pour le design l’a également amené à travailler sur l’impétueuse rapidité de la société actuelle et de son hyper-modernité future.