Selection by Lou Anmella-de Montalembert
Les Pavillons nationaux / National Pavilions
Pour cette édition 2024, la Biennale de Venise compte 86 participations nationales qui se tiennent dans les pavillons historiques à Giardini et à l’Arsenale, ainsi que dans le centre-ville. Parmi les pavillons de pays asiatiques, ACA project vous propose d’en découvrir 5 d’entre eux : celui de la Chine, de la Corée du Sud, du Japon, de la Mongolie et de Singapour.
For this 2024 edition, the Venice Biennale will feature 86 national entries, held in the historic pavilions at the Giardini and the Arsenale, as well as in the city centre. Among the Asian pavilions, ACA project invites you to discover 5: China, South Korea, Japan, Mongolia, the Philippines and Singapore.
CHINE / CHINA
“Atlas: Harmony in Diversity”
Commissaires / Curators: Wang Xiaosong, Jiang Jun
Artistes exposés / Exhibitors: Che Jianquan, Jiao Xingtao, Shi Hui, Qiu Zhenzhong, Wang Shaoqiang, Wang Zhenghong, Zhu Jinshi, The project team of “A Comprehensive Collection of Ancient Chinese Paintings”
Le caractère « 集 » représente trois oiseaux perchés sur un seul arbre. En tant que verbe, il signifie notamment rassembler, converger, collecter ou assembler. En tant que nom, « 集 » peut être traduit par « Atlas » – une collection d’œuvres d’art, de reliques culturelles ou de connaissances compilées dans un document. La double signification de « 集 » est utilisée pour souligner le concept d’intégration.
Nous avons choisi le caractère chinois « 集 » comme nom d’exposition, qui incarne la convergence d’un spectre diversifié englobant différentes races, croyances, identités, idées, objectifs, origines et cultures à l’échelle mondiale.
Au cours des cinquante dernières années, le discours sur la « différence », la dichotomie entre le sujet et l’objet et l’opposition entre « le soi » et « l’autre » ont été au centre des préoccupations, ce qui a conduit à des conflits et des confrontations permanents. Aujourd’hui, alors que l’humanité est confrontée à la détérioration des conditions écologiques externes et aux défis internes des « étrangers partout », cette exposition cherche à faciliter un changement de paradigme – de la « différence » à la « coexistence » – en réactivant et en diffusant la sagesse ancrée dans la culture chinoise traditionnelle, qui prône « l’harmonie dans la diversité », la « coexistence harmonieuse » et la « beauté partagée ».
The character “集” depicts three birds perched on a single tree. As a verb, it encompasses meanings including to gather, converge, collect, or assemble. As a noun, “集” can be translated as “Atlas” — a collection of art, cultural relics, or knowledge compiled into a document. The dual meanings of “集” are employed to underscore the concept of integration.
We have chosen the Chinese character “集” as the exhibition name, which embodies the convergence of a diverse spectrum encompassing different races, beliefs, identities, ideas, purposes, backgrounds, and cultures on a global scale.
In the past half century, there has been a significant focus on the discourse of “difference”, the dichotomy of subject and object, and the opposition between “the self” and “the other”, leading to ongoing conflicts and confrontations. Today, as humanity grapples with deteriorating external ecological conditions and the internal challenges of “foreigners everywhere”, this exhibition seeks to facilitate a paradigm shifting — from “difference” to “coexistence” — by reactivating and disseminating the wisdom embedded in traditional Chinese culture, which advocates for “harmony in diversity”, “harmonious coexistence”, and “shared beauty.”
Text from Biennale Arte Official Website
JAPON / JAPAN
“Compose”
Commissaire / Curator: Sook-Kyung Lee
Artiste exposée / Exhibitor: Yuko Mohri
Connue pour ses installations et ses sculptures centrées sur des « événements » qui changent en réponse à des conditions telles que leur environnement, l’exposition de Yuko Mohri, sous le commissariat de Sook-Kyung Lee, remplit le pavillon de sons, de lumières, de mouvements et d’odeurs.
Inspirée par les efforts ad hoc déployés dans les stations de métro de Tokyo pour arrêter les fuites d’eau, ‘Moré Moré’ (Leaky) créera artificiellement des fuites et tentera ensuite de les réparer, en improvisant avec une variété d’articles ménagers disponibles à Venise pour construire des sculptures cinétiques. Dans un monde où les inondations affectent l’environnement, et en particulier à Venise, une ville frappée par une inondation tous les cinquante ans, la dernière ayant eu lieu en 2019, Moré Moré résonnera avec un large éventail de questions.
‘Decomposition’ génère des sons et de la lumière en insérant des électrodes dans des fruits et en convertissant leur humidité en signaux électriques. L’état interne des fruits change constamment, modulant la hauteur du bourdonnement et l’intensité de la lumière, tandis qu’ils commencent à émettre une douce odeur de décomposition, de dissolution ou de flétrissement. Avec un titre qui signifie étymologiquement « placer ensemble (com+pose) », l’exposition pose la question de savoir ce que cela signifie pour les gens d’être et de travailler ensemble dans un monde confronté à de multiples crises globales. Paradoxalement, la crise fait ressortir la plus grande créativité – inspirée par les mesures ingénieuses prises par les travailleurs du métro pour lutter contre les fuites d’eau.
Known for her installations and sculptures centred on “events” that change with conditions such as their environment, the exhibition by Yuko Mohri and curated by Sook-Kyung Lee fills the pavilion with sound, light, movement, and smell.
Inspired by ad hoc efforts seen in Tokyo subway stations to stop water leaks, ‘Moré Moré’ (Leaky) will artificially create leaks and then attempt to fix them, improvising with a variety of household goods available in Venice to construct kinetic sculpture. In a world where floods affect the environment, and especially in Venice, a city hit by a flood once every fifty years, the last one in 2019, ‘Moré Moré’ will resonate with a wide range of issues.
Decomposition generates sounds and light by inserting electrodes into fruits and converting their moisture into electric signals. The fruits’ internal state shifts constantly, modulating the pitch of the drone and the intensity of the light while they start emitting a sweet smell of decay, dissolving or withering. With a title that etymologically signifies “to place together (com+pose)”, the exhibition asks what it means for people to be and work together in a world facing multiple global crises. Paradoxically, the crisis brings out the greatest creativity — inspired by the subway workers’ resourceful measures against water leak.
Text from Biennale Arte Official Website
CORÉE DU SUD / SOUTH KOREA
“Odorama Cities”
Commissaires / Curators: Jacob Fabricius, Seolhui Lee
Artiste exposé / Exhibitor: Koo Jeong A
Koo Jeong A (they/them) est constamment en orbite, vivant et travaillant partout. Dans leur pratique, les éléments architecturaux, les textes, les dessins, les peintures, les sculptures, les animations, les sons, les films, les mots et les odeurs jouent un rôle important. Au fil des ans, Koo Jeong A a étudié et brouillé les lignes entre ses œuvres d’art et l’espace qu’elles occupent. L’œuvre d’art ajoute de nouvelles couches à tout espace donné et Koo Jeong A parvient à fusionner de petites expériences intimes et des œuvres immersives à grande échelle.
L’approche curatoriale du Pavillon coréen 2024 a consisté à combiner certains des sujets clés et des éléments sculpturaux avec lesquels Koo Jeong A a travaillé au cours des trois dernières décennies. Avec la nouvelle commande ‘Odorama Cities’, créée spécialement pour le pavillon coréen, Koo Jeong A s’intéresse aux nuances de nos rencontres spatiales, à la manière dont nous percevons et nous remémorons les espaces, en mettant particulièrement l’accent sur la façon dont les parfums, les odeurs et les senteurs contribuent à ces souvenirs. Avec le pavillon lui-même, Koo Jeong A explore une tactilité élargie. Certains des principaux intérêts de l’art de Koo Jeong A, tels que l’immatérialisme, l’apesanteur, l’infini et la lévitation, sont des mots clés dans tout le pavillon coréen. Ils sont intégrés et gravés comme des symboles d’infini directement dans le nouveau sol en bois, se manifestent sous la forme de deux sculptures flottantes en bois en forme de möbius et d’une figure en bronze en lévitation diffusant des senteurs, et enfin, symbolisés par les senteurs qui transforment le pavillon en une collection de souvenirs olfactifs.
Koo Jeong A (they/them) is constantly in orbit, living and working everywhere. In their practice, architectural elements, texts, drawings, paintings, sculptures, animations, sound, film, words, and scents play a significant role. Throughout the years, Koo Jeong A has investigated and blurred the lines between their artwork and the space it occupies. The artwork adds new layers to any given space and Koo Jeong A manages to merge small intimate experiences and large-scale immersive works.
The curatorial approach for the Korean Pavilion 2024 has been to combine some of the key subjects and sculptural elements that Koo Jeong A has worked with during the last three decades. With the new commission ‘Odorama Cities’, created especially for the Korean Pavilion, Koo Jeong A delves into the nuances of our spatial encounters, investigating how we perceive and recollect spaces, with a particular emphasis on how scents, smells, and odors contribute to these memories. With the pavilion itself, Koo Jeong A explores an expanded tactility. Some of the prominent interests in Koo Jeong A’s art, such as immaterialism, weightlessness, endlessness, and levitation, are keywords throughout the Korean Pavilion. They are embedded and engraved as infinity symbols directly into the new wooden floor, manifested as two floating wooden möbius-shaped sculptures and a levitating, scent- diffusing bronze figure, and last but not least symbolized in the scents that transforms the pavilion into a collection of olfactory memories.
Text from Biennale Arte Official Website
MONGOLIE / MONGOLIA
“Discovering the Present from the Future”
Commissaire / Curator: Oyuntuya Oyunjargal
Artiste exposé / Exhibitor: Ochirbold Ayurzana
L’exposition ‘Discovering the Present from the Future’ d’Ochirbold Ayurzana dans le pavillon mongol explore les niveaux les plus profonds de la conscience par le biais d’installations sculpturales interactives. Inspirées par la divinité bouddhiste Citipati, ces sculptures, dont le crâne à trois yeux, rappellent l’impermanence de la vie, favorisent la transformation spirituelle et symbolisent la recherche d’une conscience supérieure et de l’illumination dans le bouddhisme.
L’installation interactive, située au Castello 2127/A, en face de l’entrée principale de l’Arsenale, invite les visiteurs à explorer le thème de « l’étranger en moi-même », à interagir et à façonner leur propre parcours de conscience.
L’artiste mongol Ochirbold Ayurzana, né en 1976, explore depuis 2014 les changements sociétaux et comportementaux dans le monde globalisé à travers son concept artistique de « Conscience ». S’interrogeant sur la manière dont la conscience évolue dans le déluge d’informations, il crée des œuvres de réflexion sociale et critique exposées à l’échelle internationale, permettant aux spectateurs de former leurs propres interprétations.
The exhibition ‘Discovering the Present from the Future’ by Ochirbold Ayurzana in the Mongolian Pavilion explores the deeper levels of consciousness through interactive sculpture installations. Inspired by the Buddhist deity Citipati, these sculptures, including the three- eyed skull, serve as reminders of the impermanence of life, fostering spiritual transformation and symbolising the search for higher consciousness and enlightenment in Buddhism.
The interactive installation – at Castello 2127/A, opposite the main entrance to the Arsenale – invites visitors to explore the theme of the “Stranger within Myself”, and interact and shape their own journeys of consciousness.
Mongolian artist Ochirbold Ayurzana, born in 1976, has been exploring societal and behavioural changes in the globalised world through his artistic concept of “Consciousness” since 2014. Questioning how consciousness evolves amid the deluge of information, he creates socially and critically reflective works exhibited internationally, allowing viewers to form their individual interpretations.
Text from Biennale Arte Official Website
SINGAPOUR / SINGAPORE
“Seeing Forest”
Commissaire / Curator: Haeju Kim
Artiste exposé / Exhibitor: Robert Zhao Renhui
Dans ‘Seeing Forest’, l’artiste Robert Zhao Renhui propose une exploration évocatrice des forêts secondaires, c’est-à-dire des zones boisées qui ont repoussé sur des terres précédemment perturbées par le développement humain. Ces zones sont devenues le seuil entre les forêts primaires intactes et les environnements urbains développés.
S’appuyant sur plusieurs années d’observations accumulées, l’exposition explore les multiples facettes de la vie des forêts secondaires de Singapour, ainsi que les nombreux mondes qu’elles abritent, en résumant l’histoire de l’établissement, de la colonisation, de la migration et de la coexistence mutuelle des espèces dans le paysage.
Grâce à un assemblage de vidéos et d’installations sculpturales, ‘Seeing Forest’ explore les histoires et les moments moins connus de l’apparente dépendance entre la société humaine et la nature. La présentation révèle comment ces espaces de transition peuvent offrir des points d’intersection pour l’histoire, la durabilité et la découverte, tout en suggérant que la périphérie d’une ville – en particulier celle qui est si soigneusement planifiée – peut être la frontière la plus intense de l’existence.
In ‘Seeing Forest’, artist Robert Zhao Renhui offers an evocative exploration of secondary forests—forested areas that have regrown over land previously disturbed by human development. These areas have become the threshold between undisturbed primary forests and developed urban environments.
Rooted in several years of accumulated observations, the exhibition explores the multifaceted life of Singapore’s secondary forests, as well as the manifold worlds within them, encapsulating the landscape’s histories of settlement, colonisation, migration and mutual co-existence amongst species.
Through an assemblage of video and sculptural installations, ‘Seeing Forest’ explores the lesser-seen stories and moments of apparent dependence between human society and nature. The presentation reveals how these transitional spaces can offer points of intersection for history, sustainability, and discovery, while suggesting that the edge of a city – especially one that is so carefully planned – may be the most intense frontier in existence.
Text from Biennale Arte Official Website
ACA project est une association française dédiée à la promotion de la connaissance de l’art contemporain asiatique, en particulier l’art contemporain chinois, coréen, japonais et d’Asie du sud-est. Grâce à notre réseau de bénévoles et de partenaires, nous publions régulièrement une newsletter, des actualités, des interviews, une base de données, et organisons des événements principalement en ligne et à Paris. Si vous aimez nos articles et nos actions, n’hésitez pas à nous soutenir par un don ou à nous écrire.
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